livedoor2009年11月26日
弦交換終了。（今日は本番です！）
今日は良い天気ですね。
そして、今日は私のリサイタルです。
弦も張り替えました。ふつーにがんばります！
場所は新高円寺です。当日券もあります。みなさま、よろしく！！！
詳細はこちらで確認してください。
http://guitar.sakura.ne.jp/tomikawa/schedule/schedule.html
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2009年11月24日
勉強の場を「作る」〜教室という存在
音楽を勉強するってことは楽しいことです。
知識を得て、実践に、本来の音楽の「美」が発ちあがってきます。
その瞬間に音楽をしている喜びが実感できます。
私が教室運営において目標としているのは、そういうことが在籍している生徒さんに実感できる場をできるだけ多く提供するということなのです。
富川ギター教室は文字通り「教室」です。普段のレッスンは私がいて生徒さんがいて・・・個人レッスンです。
しかし、それだけだと、私だけの知識の世界に束縛していることになりかねません。生徒さんの知識や経験をもっと普遍的にする必要があるわけです。そして、できるだけ多くの選択肢を与えてあげたいと思っています。
そして、音楽の根本が「説明の仕方は違うけれども」同じである！ということを理解して欲しいと思っています。
日曜ワークショップや公開レッスン、そして発表会では毎回外部からゲスト演奏者を呼びます。
正直言うと、これほどまで多様な企画を行なっている教室は珍しいのではないか？と思います。
これは私の経験からいうのですが、勉強すればするほど「わかっていること」が増えていきます。しかし、同時に「わかりたいと思うこと」も増えていきます。次から次へ課題や研究テーマが増えていくのですね。
おそらく、そういう場を作るのが私の「趣味」なのかもしれません。
自分自身もそういう「場」で勉強してきたように思いますし、そういう場をみんなから与えられてきたような気がします。私はそういう場に居合わせる「運」だけには恵まれていたように思います。それで、勉強させてもらって、プロギタリストになってしまったようなものです。
・・・ということで、最近「場」というコトバについて考えています。もしかしたら、今年のテーマは『場』だったのかも？
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2009年11月23日
「禅問答」のようなレッスンに意味はあるか？（メトロノーム考）
メトロノームの使い方について質問を受けました。
私が習っていたときは、先生からメトロノームの使い方について具体的に教えてもらったことはありません。
大学生の頃、「メトロノームのクリックが聴こえなくなる瞬間までやること！」という情報（？）を聞きました。
公開レッスンでの場であったか・・・知り合いの音楽家またはギタリストの人から聞いたのか・・・記憶は定かではありません。もしかしたら何かの本で読んだのかもしれません。
その禅問答のような質問に対して、答えを探しながら音階練習などをしていきました。そして、音楽の知識が増えるにつれて、「ああ！なるほど！」と思ったのです。
ヒントは「セゴビアの音階練習の様子」、「指揮法（打点への準備）」、音価の意味・・・いろいろなことを考えることで上の『禅問答』のようなコトバの意味が理解できたのです（もちろんレッスン時に学んだことなどからヒントを得たこともあります）。そして、その理由を知ってからは、なるほどこういう練習法もあるなあ！とか、メトロノームを使った練習においてもいろいろと工夫ができるようになりました。
そして、今、教える立場になっても、その経験から得たことは役立っています。自分で一生懸命考えたのですから、それを言葉にして説明することができますし、生徒さんに合わせたメトロノームを使った音楽トレーニング法も伝授できるわけです。
さて、ここで問題となるのは、生徒に簡単に「答え」を教えてしまっていいのか？・・・ということです。
１．自力で考えさせる
２．自力で考えさせるヒントだけ与える
３．答えをすぐに与える。
１．は私がメトロノーム使用に関して、辿った道筋です。とにかくこの経験はものすごく勉強にはなります。時間はかかります。
２．は生徒とのレッスンで、私がよく使う手法です。ちょっとしたヒントだけ与えます。例えば、四分音符でメトロノーム160に設定して、全音符で弾かせる。その後全音符でメトロノーム４０で設定して、弾いてもらう経験をしてもらう・・・など。理論的な説明はしません。
３．は全部説明してしまう方法です。そもそも拍とは何か？から始まってぜーんぶ説明してしまう。「だからこの練習をやってね！」という教授法。
結論からいうと、いずれの方法も正解（教授法としては）。
ただし、私は上記1〜3を逆順で生徒に用いていることが多いようです。
右手のタッチの理論などについても、最初のレッスンのときに基本理論は全部説明します。（※このことは「これが一番大切なことだからね！」と念押ししているはず・・・）
そして、生徒さんのレッスン時の様子を見ながら、３から１の段階にすこしずつ移行していきます。実際には３と２を行き来しながら様子を見るという感じです。
１．の段階にきたなあ、と思ったときは、質問されても『はぐらかします』。禅問答のようなコトバで終わらせてしまうこともあります。
それは意地悪ではありません（念押し）。
時間は限られています。そして、生徒さんにはできるだけ多くの知識と正しい技術をできるだけ早めに身につけてもらって音楽を「本当に楽しめる」ようになってもらいたいと思っています。
しかし、次に段階に進むためには自分の血肉となった知識や技術でなくてはいけません。ケーススタディをまなびながら、先生の手を借りながら、最終的には自分で解決できるようにならなくてはいけないのです。
つまり、３と２の段階を繰り返し、最終的にはしっかりと自分の脳みそで理解していることが大切というわけです。それができれば「次の課題」を見つけることができます。そして、その瞬間に以前よりも音楽を理解でき、表現力や技術力もアップしているはずなのです。
だから、教える側としては、生徒さんがどの段階にいるか？・・・見極めをするのが非常に難しいし、責任感を感じる部分でもあります。そのあたりは各生徒さんの性格なども関連してきます。
しかし、そのあたりが「教えることの醍醐味」でもあり・・・生徒が１の段階にくるまで付き合うしかないのかもしれません。
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