ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

ギター用語

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音楽用語と言語の関連(イタリア人、スペイン人の語感)

レッスンの合間を縫って、2月某日、関孝弘さんの「音楽用語」講座を受講してきました。

これで納得!よくわかる音楽用語のはなし―イタリアの日常会話から学ぶ
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これが数年前に出たもの。エッセイ風でイタリア語の原語のニュアンスから日本で俗に「音楽用語」と言われているものを解明するという画期的な本でした。

それからこの本が好評だったのでしょう。よりシンプルですが非常に工夫された新著がこちら。

イタリア語から学ぶ ひと目で納得! 音楽用語事典
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見開き1ページで辞書風にアルファベットで音楽用語の定義がされています。もちろん前著における「イタリア語の原語のニュアンスを感じる」という主旨は貫かれています。見開きの左側には「イラスト」がかかれています。講義では、このイラストにも最大の工夫をなされているのがわかりました。

たとえば、アダージョのニュアンス。女の子がジュースをお盆に載せて「注意深く」「ゆっくり」運んでいるイメージが描かれています。

・・・以上のように、上記2冊は「いままでの間違った音楽用語の定義」を払拭してくれるという意味で画期的でした。

かくいう私もスペインに留学していましたので、師匠たちが実に「自然に」音楽用語のニュアンスを汲み取っているのを実感していました。

なので、ホームページのほうに以下のような文章を書いたことがあります。

http://guitar.sakura.ne.jp/lesson/hyogen/hyogen2.html

私は大学でスペイン語を専攻していましたので、そのときの先生の影響でもあります。訳語を探すときに辞書のその単語の例文を全部読め!・・・といわれました。その言葉本来の「軸となるニュアンス」を汲み取れ!ということだったのでしょう。

そのことは音楽用語についても同じことが言えます。・・・という風には感じとってきましたし、レッスンでも折に触れて述べてきました。

そういう意味で、上記2冊が出版されて非常に「レッスンが楽」になりました。だって、この本を薦めてしまえばいいのですから。

講義ではテヌートとソステヌートのニュアンスの違いも実際に日常動作を交えて説明されていました。

これは私もスペイン留学時に師匠に質問したことがあります。スペイン語ではtenerとsostenerの違いだ!と答えが返ってきました。そして、そのニュアンスの違いを表現してくれました。見事に違います。このあたりは「耳で聞かないとわからない」ものだなあ、と思いました。そして、その言葉のニュアンスの違いを知らないとだめなのだなあ・・・と思ったわけです。


関孝弘さんの講義では、そのあたりをピアノを実際に弾いて説明もしてくれました。スタッカートのニュアンスです。音を「短くきる」のは誤訳ということです。そして、実際にそれは音色と実に関連があることだということを実際にピアノを弾いて説明してくださいました。

そのときに、「ホールで弾くときの音色をイメージすること」ということもおっしゃっていました。これは大事ですね。先日もギターコンペティションの審査をしましたが、「4畳半的な演奏をする人が多かった」という印象を持ちました。このことはブログでも記事にしました。

http://guitar.livedoor.biz/archives/52241407.html

別に「ひとりで楽しむだけ」であれば、4畳半的な響きでかまいません。しかし、演奏というものは聴衆の人含めて「みんなで共有」するものです。それを意識した音色作りをしておいたほうが楽しいよね!・・・という思いで書いたわけです。

関先生はそういうことを言いたかったでしょうね。そういう意味でも、非常に参考になり勉強になった講座でした。

さて、そういう意味で考えると、クラシックギターでいえば、カルッリやカルカッシなどのイタリア出身のギタリストは、おそらく原語のニュアンスで「アンダンテ」や「アジタート」などを使っていたのだと思います。そういう意味でみると、彼らの作品においてはそのニュアンスを明確に汲み取っていかないといけないのだなあと思うわけです。

そして、もしかしたらソルやアグアドなどのスペイン人は若干その感覚が薄かったのかも・・・などと想像してしまいます。(あくまでも想像ですよ)

もしかしたら、ソルはカタルーニャ出身ですので、その言語に近いフランス語で音楽表現に関する表記をするほうが感覚的に合っていたのかも・・・などと想像しています。



いずれにしても、こういう勉強は楽しいものです。自分の今までの経験や知識がいろいろとつながっていく面白さがありますね。


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セーハについてのご質問

最近はブログの更新も滞っております。その合間にコメント欄にギターの奏法に関するご質問がありました。コメントのところで回答するのもなんですし、記事の内容とは無関係ですので、別枠で回答いたします。

これを機会にいいますが、今後このような記事に無関係な質問はメールにて送っていただければと思います。教室電話はコンサートのチケット申し込みや教室入会の問い合わせだけにしか対応しておりません。

またメールを頂いたからといって、全てに回答するわけではないことを予めご了承ください。できるだけの回答をしたいとは思いますが、教室に在籍している生徒さんとの対応を一番に考えております。

しかし、ギターを学んでいる皆さんのためになるだろうと思ったネタはこちらのブログで取り上げていこうと思います。

どちらにしても、個別の対応は「個人レッスン」で行なうのが私の考えだということです。

さて、ブログコメントの質問です。
 

1番気になっているのはセーハ時にガチガチに力が入ってしまうことです。現状は右腕でギター本体を押さえつけ、左腕に力こぶができるくらい引っ張るようなやり方をしてます。イメージとしては弓のようにギターをしならせるといった状態です。

そもそもセーハというのは右腕でギターを固定していない状態でもできていないとダメなのでしょうか?

実際に富川先生のレッスンを受けてアドバイスを頂けたら最高なのですが、住まいが遠方のためそれも難しい状況ですので、この場をお借りして質問させて頂いた次第です。

ちょっとしたことでもアドバイスを頂けたら幸いです。


簡単な回答・・・まず「右腕でギターを固定していないとセーハができない!」というのはまずいです。
何故まずいかというと、右腕は独立していなくてはならず、「腕の自然な重みでギターのボディのところに“一時的に”置いてある」という状態でなければならないからです。

右腕とギターのボディとの接点を一点にして、前腕部分だけを振り子のようにして、高音弦側と低音弦側をフォローするという弾弦法もあります(従来のスパニッシュスタイルですね。タレガなどのスタイルです)。しかし、これは右手タッチのアングルが一定しないので、音色のコントロールが難しくなります。

現代的な奏法では、ギターと右腕の接点はフリーにすることがポイントとなってきます。そのことによって、高音弦であろうが、低音弦であろうが、均質なタッチで弾弦動作を行なうことができます。

これは勘違いしないでくださいね。一時的には腕の自然な重みでギターのボディと右腕は接しています。上記の「フリーな状態」というのは、「自由に位置を変化できる」ということです。

ということで、右腕全体でギターのボディを「常時押し付ける」のは避けるべきアクションということになります。

さて、上記を踏まえたうえで、セーハのポイントは以下3点。

1:左手の重みだけでも、セーハをかけられること。
2:そして、そのためにはギターの指盤を床面に対して垂直にするのではなく、若干上を向けることです。
3:楽器の弦高などをチェックする。

1に関しては、左手の親指をネック裏から外したとしてもセーハをかけられるバランスを見つけることです。

2に関しては、上記に関連しています。1指を伸ばして、指盤の状態が床面に対して垂直であれば、腕の重みを用いて人差し指を「ひっかける」ことができません。

ギター表面板を床面に対して垂直にするというギターの配置の仕方はお勧めできません。これは音響上においても良い効果はありません。楽器はいわばスピーカーです。サウンドホールが若干天井方向を向いているほうが音の抜けはいいのです。

セーハできない人は、ギターの表面板を地面と垂直に(つまり90度に)していることが多いです。そうすると、セーハをかけようとするときに、腕を引くようにして自分の後方向にネックをひっぱることでしかセーハをかけることができないようになります。

言葉だけだとわかりずらいので、絵を描いてみました。

100128_2308~01














(悲しい絵です・・・それはさておき・・・)

上記のようにすると後方に引くことでしかセーハをかけることができません。もしくは人差し指の力で弦を指盤に押し付けるしかないでしょう。腕の重みを使いたいとしても、「指がひっかからない」ので、不可能です。

また上記☆印のところが曲がってしまって、指を動かすための筋の動きを阻害して腱鞘炎にもなりやすいのです。

さて、私がお勧めするのは、以下のアングル。(次の絵も悲しいです・・・)

100128_2309~01














絵をみれば一目瞭然です。腕の重みを床方向に向ければ、ひとさし指は自然に弦を指盤上に押弦することになります。つまり腕全体の重みを弦の押弦に利用できるということです。

このバランスさえとれれば、右腕でギターなんか押し付けることはしなくても、セーハは可能です。

以上です。

いかがでしたでしょうか?

セーハのコツ・・・というかポイントですね。

みなさんも是非考えてみてください。

ギターの構え、アングル、そして右手はどうあるべきか?・・・ということもトータルに考えなくては実はセーハはできないということも、考えてみるとよいです。

質問者さんのようなセーハのかけ方をしていると、右手の自由度が失われます。気をつけてくださいね。


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ポジションたて直し(PTN)と「loco」

最近、私もレッスンで勝手な略号を作ってみました。

PTN

…ポジションたて直し!…です。

最近、たまーに使用している私のオリジナル用語です。生徒の楽譜にちょっとしたメモを書いてあげるときに便利かなあと思って…生み出しました。

ニ長調などで旋律を弾くときに2ポジションをとっていたとしましょう。そこで、4弦ミから3弦ラに続くときに、おそらく3弦ラは2の指で押さえます。そこで『2ポジションから外れてしまうわけです。そして、仝好澆覆匹粒放弦でメロディーを弾いたときに、2ポジションを取り戻すこと…それを『ポジションたて直し』つまり『PTN』と名付けてみました。

いかがでしょうか?

個人的には便利です。なにせ、私の字はものすごい癖字&悪筆なので、せめてアルファベットのほうが分かりやすいかなあ?…と思ったのも理由です。すごく消極的な理由ですが…。

あと、KYとかヤングたちの間で普通に使われていますね。なので、若い世代の心をつかめるかなあ…

…と思っていたり、いなかったり…。

 

あ、用語で思い出しました。

エドゥアルド・サインス・デ・ラ・マーサの曲に「El Loco」という曲があります。邦題は「狂人」です。

その曲をやったことがある生徒さんが、ピアソラの曲で「loco」という指示をみて、「やはりここは熱狂的というか…狂った感じで弾くんでしょうか?」と訊いてきました。

…それはオクターブ後で、記譜されているとおりに弾いてくださいね…という意味ですと説明。これが音楽用語としての普通の「loco」の意味です。

まあ、ピアソラなのでスペイン語圏の出身の人です。もしかしたら、ピアソラのたーくさんある曲のなかで、本当の意味での「loco」で弾かねばならないところもあるかもしれませんが…。とにかく文脈の問題でしょうね。

 

 

音楽用語…なかなか奥が深いです。

 

 

音楽を教えるほうも気が抜けません!!!

 

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『l.v.』の意味&let ring

レッスンの合間に投稿です。

今日もレッスンしていて質問を受けたのですが、「l.v.」の意味についてです。これは何度も生徒から質問を受けています。

今、手持ちの音楽の友社の楽語辞典を引いても出てきませんでした。

これは英語でいえば、「let vibrate」。

フランス語では、「laissez vibrer」。

英語のletもフランス語のlaissezも『〜するままにする』。

(ビートルズのlet it beを思い出すといいです)

つまり「l.v.」で『響かせたままにする』…もともとハンドベルなどの用語だったと教わった記憶があります。ほんとうかどうかは分かりませんが、なんとなくニュアンスは分かりやすいと思います。

今日のレッスンではアサド編のピアソラ「ブエノスアイレスの四季」に出てきました。

上記フランス語のlaissezはディアンスの曲に頻出します。たとえば「リブラ・ソナティネ」などに『人差し指を滑らせるがままにする』(なんか直訳風ですが…)という感じで登場します。フランス人作曲家の指示を読み取るときに覚えておくと便利な言葉です。

「l.v.」は武満徹さんの作品にもたくさん登場します。『ギターのための12の歌』の楽譜を持っている人は開いてみましょう。やまほど見つかります。

アンドリュー・ヨークの作品にはl.v.のかわりに「let ring」という指示がでてきます。なぜヨークがl.v.を使わずにlet ringという用語を使っているのか分かりません。ニュアンスの差があるのか?…それともヨークはどちらかというとポピュラー寄りの作曲家であるため、クラシック的用語を避けたのか?

…詳しい方がいたら教えてください。

 

このように音楽には略号があるので、そのあたりは楽典や辞典などで調べていくしかありません。そして、分からないものは音楽に詳しい人に訊くとか、先生に訊く…そうやって知識をつけていくしかないのですね。

地道にいきましょう!!

 

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アポヤンドは音色!!

最近、生徒とのレッスンで気になること。

アポヤンドとアルアイレの使い分けについて書きます。

「アポヤンド=大きい音を出す」という図式で考えている人が多いですね。それならアルアイレは「軽い音」?

アポヤンドをすると大きい音量しかでないというのは大問題。弦をただ引っぱたいている可能性があります。指先が弦に接触し、必要な分だけ押してリリースする・・・というアクションを意識すれば、小さい音量でもアポヤンドができるはずです。

では、アポヤンドとアルアイレの違いは何か?・・・答えは「音色」です。アポヤンドとアルアイレは弦の振動の仕方が変わります。一般的にアポヤンドは表面板に対して水平に近い振動で、アルアイレは円運動に近い振動になるでしょう。

この振動の違いが音色の違いとなって出てきます。

アポヤンドとアルアイレの違いは音量では決してありません。音色です。このことを間違うとギターの音色のバリエーションを狭めてしまうことになります。

 

実際の練習においては、アポヤンドとアルアイレの音色を『できるだけ同じ』にすることを目指すことを忘れないように。上記で述べていることと相反することのように思われるかもしれませんが、アポヤンドとアルアイレによる弾弦後の弦の振動を『ほぼ同じ』にすることが、右手のタッチと右手全体の安定のためには必要です。

このように意識すれば、おのずとアポヤンド時とアルアイレ時の右手のフォームは同じ形になってきます。両者の弾き分けは、右手の指先でコントロールされることになります。手の甲は動きません。

実際の曲のなかでのアポヤンドとアルアイレの弾き分けは、瞬時に切り替えなければなりません。この両者をスムーズに切り替えられることが大切です。

このことをふまえたうえで、弦の振動方向をいろいろと試していきます。表面版に対して完全に水平に振動させる・・・垂直方向の振動を多く与える・・・円運動に近くする・・・楕円の振動にしてみる・・・エトセトラ・・・このように考えていくと、アポヤンドでもアルアイレに近い音色がでますし、アルアイレでもアポヤンドに近い音色を出すことも可能です。

このように右手の安定を考えながら、弦の振動を様々に変化させることができるようにトレーニングすることが、ギターの音色を増やしていく方法です。その増やす過程において、アポヤンドとアルアイレという便宜上の弾き分けが存在します。

「アポヤンド=太い音色、アルアイレ=軽い音色」という単純な二分法では、失うものは大きいです。

ましてや「アポヤンド=大きい音、アルアイレ=小さい音」という二分法においては、右手のタッチを考えていないと思われてもしょうがないでしょう。

初心者への導入段階においては、この便宜上の区分は使用されてもよいかもしれませんが、教える側も教わる側も細心の注意を払いつつ、違いを把握するべきです。

少々固い文面になりましたが、みなさま研究してみてください。

上記のことが完全に理解できれば、セゴビア風指寝かせアポヤンド(?)を使用してもまったく問題ありませんし、その時点で「あなたの音色」として、そのタッチが音楽の中で生かせるはずです。

 

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