ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

コンクール

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審査基準って?〜GLC学生ギターコンクールを審査して

さて、8月も終わっちゃいますね〜。ということで、9月に入る前に…
8月18日のことになりますが、GLC学生ギターコンクールに審査員としていってまいりました。その感想と「思う事」を書いておきたいと思います。

結果はこちらでご覧頂けます。

みな立派な演奏でした!素晴らしかったです。特に小学校高学年と中学生の部はレベルが高い演奏でした。


みなさん先生に習っていると思います。その先生から教えてもらったことをしっかりと守って、「音楽のルール」に則って演奏していることが分かりました。そこからもう少し皆さんの「言いたい事」が伝わる演奏になっていけば、より「その人らしい」演奏になっていくのだろうな、と思います。…というよりは、みなさんが学んでいるのはもしかしたら「音楽のルール」に則って、先生が考えた結果かもしれません。もっと主体的な演奏スタイルを持ってくれたら嬉しいなあ、と思います。そうすれば、楽譜からもっとたくさんの情報を引き出せますし、それが「あなたの音楽」になっていきます。


「音楽のルール」をしっかりと理解したうえで楽譜からしっかりと情報を読み取って、自分のストーリーを作っていくこと…これが音楽の本当の楽しみです。このことを知ってもらいたいと思い、この文章を書くことにしました。


私が審査した二次予選の感想をもとに、簡単に説明していきます。二次予選の審査を担当したのは、中学生と大学生の二部門でした。


中学生の部は「月光」です。大学生の部は「アメリアの遺言」。それぞれに特記ポイント(表現してくれたらなあ!…という点ですね)はあるのですが、まずは共通の要素からお話していきましょう。


1:共通する審査ポイント。以下です。

フレーズ感

声部の弾き分け

ダイナミクス

拍節感


2:月光に関する特記ポイントは以下。

テンポ設定

ヴィブラートをどうかけるか?また、どこでかけるか?

和声の変化を意識しているか?

アクセントの設定


3:アメリアの遺言に関する特記ポイント

グリッサンドやポルタメント、アラストレの意味付け

ハーモニクスの表情

四弦上での歌い回しと音色


上記、1、2、3と分けました。まずは1が審査する際の基本点となります。2と3は追加点ですね(とはいっても、本当はしっかりと全要素やってほしいですが…)。


正直言うと、中学生の部も大学生の部も1を全て適切にバランスよく行っている人はいませんでした。ダイナミクスはみな意識していたようです。あとは声部の弾き分けですかね。これら二点で本選に進めるか進めないか…というのは決まったように思います。フレーズに関しては完璧に考えている人はほとんどいませんでした。みな「軸」が定まっていません。どこがフレーズの頂点なのか分からない…そのような演奏がほとんどでした。フレーズは横のラインです。第一段階として拍子感(拍感)は無視してしっかりと練習してほしいと思います。緊張度の高まり、弛緩する感じ…これらのことがアゴーギク(音量と速度の変化)できちんと表されているかをチェックしてください。


拍感に関して。拍感もほとんどの人で感じられませんでした。中学生の部で数名、大学生の部でも数名…拍感は単純にいうと「小節線はどうしてついているの?」ということです。そして、3拍子って何?4拍子って何?…ということです。言ってみると周期性なのですが、これは上記のフレーズとは相反する要素です。

フレーズはまっすぐにラインを伸ばしていく運動です。反対に拍節は区切ろうとします。フレーズの伸びばかりを意識しすぎると、拍節の周期がなくなって推進力のない音楽となってしまいます。拍節が強く前に出過ぎると、フレーズ…つまり歌がなくなってしまいます。この両者のバランスを整えることは、実はとても難しいです。ですが、このバランスが奏者の個性であるとも言えます。


さて、月光とアメリアの遺言のそれぞれ個別のポイントを見ていきましょう。

2です。月光の特記ポイント。テンポ設定はフレーズの緊張感が維持できる限りはゆったり目でよいような気がします。アレグレット(ソルの原典)もしくはモデラート(セゴビア版)なので、みな一様に速めに弾いていたようですが、楽曲の短調の風情などを考慮すれば、アレグレットはアレグロよりも遅めです。そもそもアレグロには「速い」というニュアンスはありません。動的であることは確かなので、よく歌わせることが肝要です。なので、私の審査ポイントとしては、「きちんと歌わせられるテンポである程度、推進力のあるテンポを設定していること」としました。

ヴィブラートの位置。フレーズの流れの中で、どこでヴィブラートをかけるか、またどこで?…このことについてきちんと考えられている演奏はほとんどありませんでした。せっかくギターで演奏するのですし、「月光」という別名で知られているように「歌うこと」が大切な曲でもあります。この点が考えられている演奏がもっとあって良かったのではないか、と残念です。

和声の変化が面白い曲です。たった一音で流れが変わります。そういう場面があるのですから、そのキーポイントとなる音をしっかりと印象深く弾く事が大切です。

アクセントの位置。これと関連して、拍節の周期性やメロディーのパターンを破るところにアクセントを適切につけること(印象的に弾く事=聴き手にその変化を感じさせること)…これができている人がほとんどいなかったです。


3です。アメリアの遺言です。リョベート編の良さをきちんと活かした演奏をしてほしかったです。タレガ〜リョベートの時代のグリッサンドやアラストレは現代よりも濃厚でした。これはタレガの弟子であったレッキの教本などを見れば分かります。ポルタメントなどは「半音がきちんと聞こえるように」弾かねばならないと書いてあるからです。これらの技術は「歌の模倣」です。なので、当時の歌は今よりも「濃かった」のでしょうか…そのあたりを想像してきちんと楽譜を厳守して練習してほしかった。これもほとんどの方が「おまけ」程度にしてやっていませんでした。そして、もしやっていたとしても、ワンパターンになっていることがほとんどです。音程感をしっかりと感じて、相応しい速度感と濃度を選択しなければなりません。もちろん、この濃厚な歌い回しは現代人の感性に合わないかもしれません。しかるべき調整がなされてもよいのですが、そこまで考えていた人がいたかどうか…疑問です。

ハーモニクスも単調な歌い回しが多かったです。フレーズですから、きちんとアゴーギクを付けて演奏してほしいです。きちんと音が鳴っているという演奏ばかりでした。ハーモニクスにも「音色」と「音量」があります。なので、きちんと歌ってほしかったです。結果として技術としてノーミスである人を本選に通すかな?…という結果になったと思います。

後半に、4弦上で旋律が歌う部分があります。この音色にもっとこだわりを持ってほしかったです。ローポジションで弾けば、簡単だったでしょうね。でも、ハイポジションの低音弦の音色と同一弦でとる意味があります。そのアレンジの意味をしっかりと考えてほしいです。技術的にはp指のコントロールが上手くできていない人が多かったです。


以上、述べてきましたが、ご理解いただけたでしょうか?

音楽には「ルール」があります。そのルールに則って、楽譜を読み込んで行くこと。そして、各要素を意識すること。各要素のバランスをとること。それが「奏者の個性」に繋がります。


学生コンクールですので、年齢を考えるとまだ先生の表現(結果)の影響が強いとは思います。ただし、少しずつでも、その先生がその表現にいたった道筋を想像してください。必ず、(良い先生であるならば)そこの考えの道筋があり、その奥には「音楽の普遍的なルール」が存在します。


音楽解釈のルールを探しだすことは難しいことではありません。基本を知ってしまえば、未知の曲でも自分で解釈ができるようになりますし、説得力がある表現が付けられるようになります。そして、奏者の本当の個性がそこに出てくるようになります。是非、若い方たちにはそういう勉強をしてほしいと願っています。すくなくとも、上記1の観点だけは、洗練させて行ってほしいと思います。あなたか勉強する曲全てにおいて、考えていってくださいね!

日本ギター重奏コンクール=生徒さんデュオ入賞!

昨日になりますが、第24回日本ギター重奏コンクールにて私の生徒さんデュオが第三位になりました!
ふたりとも社会人として忙しい中、追加のレッスンに来たり、録音をとったものを私に送ってきてアドバイスを求めたり…しっかりと勉強してきた成果がでたと思います。

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私はレッスンの都合で聴きに行けませんでしたが、応援に行った生徒さんの中では「二位」でも良かったんじゃないか?…という声が多かったです。まあ、でも、結果は結果ですからね。あとで動画のほうは個人的に見せてもらいましたが、しっかりとダイナミクスもあり、楽器のポテンシャルもしっかりと出していたと思います。

ソルの楽曲はシンプルですが、和声感やフレーズ感、構成感を学ぶには最適です。まだまだ課題はありますが、今後もふたりでデュオを勉強し続けていってほしいと思います。

いずれにしても、ふたりともおつかれさま!&おめでとう!

そして、一位は、(私の教室周りで結構みかける)若手超有望株ふたり、藤元高輝くんと小暮浩史くんのデュオ「こーき&ひろし」でした。この二人もおめでとう!

富川勝智

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演奏と評価(GLC学生ギターコンクール審査を終えて)

昨日はGLC学生ギターコンクールの審査を行なってきました。
審査をしたのは本選会のみです。

結果はGLCホームページのほうに掲載されています。
2011年度結果 
以下、私の審査基準を示しておきます(GLC本体としては事前に審査基準を話あうことはありませんので、以下に書くことはあくまでも「私の審査基準」です)。
審査をするということは非常に責任を伴います。課題曲について事前にリサーチをすることは勿論です。そして、可能な限り自由曲についても事前に楽譜を参照します。

その上で、以下のことを目安に判断します。
  1. 楽譜の正確な読みができているか? 
  2. そして、読み取ったことを的確に表現できているか?(伝わっているか?)
  3. ギターの特性をしっかりと活かしているか?
簡単ですが、上記のことを考えて審査します。1にかんして言えば、実はその奏者の「版のセレクト」からスタートしています。今回嬉しかったのは、いく人か「アルカス作曲」の椿姫幻想曲を弾いていましたが、それをしっかりとアルカス編で弾いていたこと。かつて流布していたタレガ編そのままに「アルカス編」とだけして弾いている人も多いので、素晴らしいことだと思いました。

ソルなどの古典などの場合、しっかりとした信頼できる版を使うこと・・・これは出場者がたとえ小学生であった場合でも、指導者の責任でちゃんとした版を使用すべきです。もし、大学生であれば、いわずもがな。きちんとした版を使うことが前提となります。もちろん、入手しやすい版を利用しても基本的に採点には大きく影響しないようにはします。しかし、版にこだわった演奏者の演奏は説得力を持つものです。

そして、その適切な版にしたがって、作曲者の記した指示、時代の様式にあった演奏をしているかどうか?・・・これがもっとも大切です。音楽全般のルールもきちんと理解して表現できているかどうか?・・・これも大切です。

2に関して。読み取ったものを的確に表現する。つまり、聴いている側に届けることができるかどうか?はテクニックがあるかどうかということに関連してきます。そして「ある表現」を表すためにテクニックはあります。「ただ間違わずに正確に弾く」 「音階が速く弾ける」というのは「テクニック」ではありません。
この観点から私は技術点を付けます。その人が言わんとしていることが明確に伝わってきた場合、「技術点」はあがります。逆にいうと、こういうことをやりたかったんだろうなあ!・・・と分かっても、技術が安定していないために伝達力が不十分に終わるという場合もありますね。

何かを伝えたいという意欲だけが先走る場合も多くあります。しかし、それを練習時に確認し、コントロールされた技術を身に付けておく・・・というのが理想的です。 でも、それはプロの奏者でも難しいですね。

逆の場合もあります。自分が持っている技術の中だけで「音楽をやろうとする」演奏者。最近のコンクール演奏者に多いタイプです。実際、今回もそのような人を多く見かけました。残念なことです。

3に関して。ギターの特性・・・簡単にいってしまえば、ギターらしく!です。すごく抽象的なことですから、言葉では説明しずらいですが、簡単にいってしまえば、音色のバリエーションです。それがあるかどうか・・・そしてその音色が上記2で話した「自分が伝えたいこと」のために機能しているか?です。

上記、1、2、3、全て関連しています。例えば、3のギターの特性ですが、音色のことです。音色というものは子音と母音から成立しています。簡単に言ってしまえば、「サシスセソ」なのか「パピプペモ」なのか「カキクケコ」なのか・・・。そして1の過程から考えると、作曲者の頭のなかでそのメロディーやハーモニーの響きがどのような子音と母音のイメージで鳴らされていたのか・・・考えなくてはいけません。だから、フランス人の作曲家であれば、フランス語のイメージで音色をイメージしているはずです。
スペインの作曲家の作品を演奏した人が多かったですが、私には作曲家の声が聞こえてくる人は極めて少なかったです。一言でいってしまえば、「もっとギターらしく!」なのですが、上記で述べたように実は楽曲の解釈の時点からこのことは考えなくてはいけません。ギターはものすごく子音と母音のニュアンスの差が出しやすい楽器です。
一般的にギターは「いろいろな音色がでるね!」と言われていますが、それを楽曲の解釈としっかりとリンクさせて表現できる奏者が、本当の「ギタリスト」であり「音楽家」です。


以下は個人的な意見です。

「かりものの表現」というのがあります。小中学生であれば、先生やCDなどの録音をそのまま「マネをする」という表現もよいと思います。実際、学ぶは真似ぶ・・・とも言いますしね。
でも、その借りてきた表現に対して、心から納得しているか?していないか?・・・はとても重要です。

演奏は舞台上の俳優の行為に似ています。ストーリーはあらかじめ分かっていますし、俳優さんは何回もセリフを読み、その役柄の運命は知っているのです。でも、舞台上ではあたかもその時点での自分の行為や状況の変化に一喜一憂しなくてはいけません。喜怒哀楽を心から感じ、そしてそれを適切なセリフまわしやアクションでお客さんに伝達するのです。

音楽を演奏する人もそのような心持ちで臨まなくてはいけません。そのとき、自分が繰り出す一音一音、フレーズ毎にその音楽が目指すものをしっかりと「感情」として反芻しなくてはいけません。

毎回、自分のなかに感動を呼び起こさなくてはいけないのです。そして、その感情の濃度は実は演奏ごとに微妙に変化することもありうる・・・ということを忘れてはなりません。 だからこそ、ありとあらゆる表現の可能性を考えて、作品を常に分析し、可能性を探っておくのです。どのようなパターンに対しても対処できるように技術を磨いておくことが、本番であたかも「インプロビゼーション」のような「本当の音楽」を生み出す拠り所となります。

そのような演奏ができている人は本選出場者にはほとんどおりませんでした。とはいっても、学生のコンクールですので、この点に関しては私は審査基準には全くしていません。あくまでも、それが「借り物の表現なのかもなあ・・・」と思っても、きちんとお客さんに伝わる形で楽譜からそれなりに音楽を抽出していれば、きちんと評価したつもりです。
ただし、本当の音楽をやりたいのだとしたら、上記のことは絶対に理解しなくてはいけません。そして、音楽を続けていれば、それは自然に理解されてくるものだと思います。それが理解できなけば、音楽をやる意味はないともいえます。

以上、だらだらと思いつくまま書きました。
あくまでも、私個人の意見です。審査員の総意でもありませんし、審査員団の審査基準というわけでもありません。その点を考慮してお読みいただければと思います。 

コンペティションのコメント書き(長所と短所)

先日のギター連盟主催のギターコンペティションのコメントを書いて、先日連盟事務所まで送りました。

このコンペティション関東甲州大会の参加者全員に審査員で分担してコメント(アドバイス)を後日送付することになっているのです。

53名演奏で、審査員が4名ですから、、、10名以上の方にコメントを書かなければなりません。

毎年行っていますが、出場者の方から大変好評でした。プロのギタリストからコメントやアドバイスがもらえるというのはうれしいことでしょうし、なによりも「自分の演奏がどうだったのか?」ということを客観的に判断してもらえるというのは、出演者にとって「一番知りたいこと」なのだと思います。

私も毎年審査員をさせていただき、出演者の方の「長所・短所」というものを判断しながら聞いています。

コメントを書くときも、よい部分を更に伸ばせるように(&維持できるように)、そして、欠点や短所もプラスに活かせるように・・・という気持ちで書いています。

これはレッスンをしていても思うのですが、短所は長所に転じることもありますし、またその逆もあります。

たとえば非常に意欲的なプログラムではあるのですが、それが本人の技術レベルを超えている場合や準備不足の場合、本番でミスが多くなります。しかし、その意欲や「やる気」は評価に値します。チャレンジしなければ見えないものっていうのがあるのです。技術的、音楽的に不足しているなあというものがわかれば、今後何を勉強していったらよいかわかるものですから。

逆に非常に手堅くミスのないように演奏していても、勢いに欠ける場合はやはり魅力的な演奏に聞こえない場合も多いです。

どのプロ奏者も「あがらない」人はいません。逆にいうと「あがらない人」は演奏家としては向いていないともいえます。もちろん技術的な破綻があってはありませんが、もし万が一破綻があったとしても、気持ちの赴くままに盛り上がっていき「本番でしかできない」音楽の流れや勢いが表出できれば、それはそれで成功なのです。

ミスを恐れて、楽曲本来のテンポよりゆっくりめに弾くというタイプの方も多いのですが、それはやはり「音楽的ではない」という場合もあります。楽曲本来が持っている推進力を損なう場合などもあるからです。気持ちの高揚=もりあがり・・・ということもありますからね。

もちろん、レパートリーによっては、淡々と静かな気持ちで演奏しなくてはいけない楽曲もあります。その場合はやはり気持ちを静めて演奏していかなくてはいけません。

コンペティションの講評(コメント)の場合には、そのような個人の傾向などを推察して書くことにしています。あまり安全圏を狙っている人にはやはりもっと意欲を!・・・逆に意欲だけで空回りしている人には技術面などのアドバイスや練習の仕方のアドバイスを!・・・という感じです。

いずれにしても技術面、音楽解釈の面でのアドバイスが多くはなりますね。そして、音色の問題かなあ。良い演奏をしているのに、楽器がそれに反応していないことも多いのは残念な結果に終わる場合も多いです。

会場がミレニアムホールということもあって、ある程度の規模があります。大きな会場にしっかりと音を響かせなくてはいけません。ある程度の楽器のポテンシャルと、もっと大切なのは「音を聴き手に届けようという意思」です。そして、普段からそれを意識して練習しているかどうか・・・です。

参加者の中には、家でしっかりと自分の音を聞きながら何度も何度も練習しているのだろうなあ・・・という印象の方が多くいました。これはとても良いことです。長所といえるでしょう。しかし、この「4畳半的感覚」は大きな会場では通用しないことも多いのです。

本当によい演奏者は、そのあたりをコントロールします。リハーサルができればそのときに・・・リハーサルができない場合は調弦をしながら、会場の響きを確認します。そして、その上でタッチの微調整などをします。

もし、これができないのであれば、しっかりと練習して音楽性を固めてあったとしても、短所となってしまうのです。

聴き手に意図がしっかりと伝わらなければ「音楽」は成立しません。そのためのタッチの微調整、楽器の選定などもっと慎重に学んでいかねばなりません。

・・・以上のように、長所というのは短所であって、短所というのは長所になりえます。バランスですね。すべての短所や欠点を長所に転換していくようにみなさんしていってくださいね!




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「ギタリストに足りないこと」は?(レッスンしていて思うこと)・・・学生ギターコンクール概観

最近、まじめに「レッスン覚書ミニ」つけています。手書きのレッスンノートもつけています。

それをまとめていくこと・・・生徒さんのレッスンにおいて感じていること・・・つまり、「生徒さんに足りない点」に気づくよいきっかけとなりますね。

先日、第35回学生ギターコンクールにて審査員とスタッフをしました。たくさんの出演者の演奏を聴きました。

ここ数年、毎回聴いていますが、やはり自分が生徒を教えているときに感じる共通の「足りない要素」「勉強すべき要素」が多くの参加者に見出されます。

それを箇条書きでまとめておきます。

  1. 自然な拍子のプロポーション(拍子の周期性を含む)
  2. メトリックアクセントのルール(時代による違いや他の音楽的要素により変化するという点も含め)
  3. 旋律線におけるピッチのコントロール
  4. 非和声音の処理の仕方(臨時でつく♯や♭の扱いも含め)
  5. ギター史への知識不足(レパートリーのワンパターン化)


いまのところ、上記5点が私が気になっている「ギタリストに足りないこと」ベスト5です。

私は普段、初心者からプロまで幅広くレッスンしていますが、上記5点は常に意識をして教えています。ちょっと話題はそれるかもしれませんが、上記5点について、教える側の「理解不足」「メソッドが未確立」という問題点も危惧しています。

上記5点に関して、簡単に説明しておきます。

1:2拍子であれ、3拍子であれ、小節内に完全に均等なプロポーションで存在しているわけではありません。これはフィボナッチ数列などに見られる黄金比という概念も理解しなくてはいけませんが、まあ、簡単にいってしまえば、「自然な揺らぎ」のあるリズムの周期を作らねばなりません。

2:上記1とも関連しますが、やはり拍子の周期を理解しなくてはいけないですし、聴衆にはそれを明確に指し示さなければなりません。「1拍目はどすん!と重めに」と単純に述べてしまうことも可能ですが、すべてそのパターンで行けば、冗長さにつながります。そしてそのメトリックアクセントは旋律線の動きや和声、アーティキュレーションなどによって「覆い隠されていきます」。つまり、音楽解釈としてはかなり下位の重要性しか持ちません。しかし、音楽の周期性を支えるという意味においてはベースメントとなっているものですので、絶対に「消滅してはいけません」。このバランスが奏者の個性ともなっていきますし、また時代によっては「一拍目の存在感」が強い場合もあります。その逆の場合もあるのです。

3:これも上記の要素の関連します。音楽を拍のなかに閉じ込めずに先に進めていくもの・・・それが旋律でもあります。そして、ある音が次の音に向かう場合の「音程」(ピッチ)というものがあります。また「動きずらいピッチ」「そこに停滞するイメージのピッチ」というものがあります。ギターはフレットがありますので、多くの人が『そこを押さえてば”正しい音程”がでる』と思っているのでしょうが、旋律の推進力を考えれば正しくないのです。このことはギターの魅力でもあるヴィブラートの技術とも関連してきます。実はこのピッチコントロールの意味を感じずにはヴィブラートは不可能であるともいえます。ここに縦の要素「和声」のことを考慮にいれれば、より複雑にはなっていきます。最終的には「どちらをとるか?」という決断をさまられることになりますね。和音も弾け、旋律も弾ける「完全な独奏楽器」としてのクラシックギターの宿命ともいえる問題です。

4:旋律の動きをつかさどる重要なポイントです。これは今年「あづみ野ギターアカデミー」で講義する内容となっています。音をどのようにつないでいくか?・・・音のグループはどのようにして形成されていくか?・・・フレーズの頂点は?・・・という点を考えていくうえで、欠かすことができない要素です。

5:ギター史について理解すること、一般の音楽史について理解すること・・・これがないためにギターレパートリーが限定されすぎています。確かにたくさんの人に弾かれている曲、弾き継がれている曲は「名曲」といっていいでしょう。しかし、有名なソルにしても、「すべてを弾いてみる!」という意識で取り組んでみれば、「ああ、こんな曲もあったのか!」と思えるもののほうが多いはずです。そのためには、未知の楽曲の楽譜から自力で解釈する方法論が大切となるわけです。上記1〜4はその基本となる考えです。


上記1から5のことは、「音楽表現」に関するものです。特に1から4に関しては「正確にコントロールされた技術」が必須です。

その技術の面においては、現在ほとんどのギタリストが獲得しつつあるといえます。また、その点のメソッドも十分に確立しつつある段階であると私は思っています。

あとは、上記1〜5に関して、教える側、学ぶ側がどのくらい「必要性」を感じているか・・・ということです。教える側に上記1〜5を噛み砕いて、生徒に伝える技術があるか?・・・ということも大切です。


学生ギターコンクールのブログ記事において、私は以下のように書きました。

私のレッスンは理論はありますが、基本的には生徒の「頭で考えさせます」。だから型を押し付けません。

私はレッスン時において、上記1から5を生徒各自が「自分の言葉」で整理して理解することを望んでいます。これが私のレッスンのやり方です。

解釈の結果のみを教えるほうが「速成栽培」としては効率がいいですが、それでは生徒さん本人が「音楽のパワー」を感じることはできませんし、その後もしプロの音楽家となった場合に、演奏活動だけでいければいいのですが、もし教えるという立場になったときに、「音楽の素晴らしさ」を伝えることは不可能となるでしょう。

手間はかかりますが、それが私の教授方針の哲学となっています。

九九を覚えるような人間よりも、数学の難問をとける人間を育てたいと思っています。

(数学とか物理に挫折した人間が言うのもなんですが・・・)



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