レッスン覚書2017年5月21日〜6月10日

１：脳のプログラミングを考えて、自分の意識を騙しながら練習する。

２：ああ無理だ…と脳味噌に思わせてしまったら、もうその時点で「ナチュラルな動作」を導くことができない。

３：ああ、これならできる！と脳に錯覚させること…脳を騙しながら動きをブラッシュアップしていくしかない。

４：歌う。歌いにくいところは実際に「歌いにくそうに」歌う。

５：半音階は色彩の微妙な変化。迷いといってもよい。

６：トローバ、特性的小品集。一度はアンドレス・セゴビアが改編したバージョンで弾いてみるとよい。その演奏効果がわかる。出版されている楽譜＝正しい楽譜…という認識はトローバに関してはあてはまらない。

７：「弾けない」と思えば、脳みそが抑制をかける。そういうアクションになってしまう。できる！という段階のアクションから脳みその呪縛を解き放ってやるしかない。

８：運指。ソルの時代の楽器であれば、いまのものよりも小さい。奏者の手の大きさはどうだったのか…ソル教本の手のイラストから類推するにそれほど現代の人と大差はない。その意味で左手運指の縮小はなかなか厳しいと言える。たとえば、５弦２フレを２で押弦キープしたまま、１弦２フレを１指、３フレを4で…という運指はあまり使われなかったと思う。

９：とにかく、ソルの練習曲の運指は「当時のソルが使っていた運指」をまずは学びたい。そこからソルがどういう歌心のイメージをもち、どういうテクニックへの哲学をもっていたか…それを知ることができる。

１０：カルカッシ25のエチュードは、ミゲル・リョベートがその効用を発見したことで有名。その弟子のレイ・デ・ラ・トーレ編の25のエチュードもその意味で必携。「師匠はこういう運指にしているが、それはこういう理由である。だが、私はこういう考えで、こう変えている」というのが明確に書いてある。

１１：アルカーサル・デ・セゴビア。イントロ、正確に８分の6で。和音のバランスをとること。メロディーだけをとりだして歌わせてみること。

１２：曲を仕上げていく段階でわすれがちなのは「声部を抜き出して、そこだけしっかりと表現を考える」こと。何回でもくりかえし表現の可能性を考えるべし。

１３：カルッリ45のエチュードの最初の数曲は、上級者にこそ有効。シンプルな練習にどれだけの「意味」を与えることができるか？…そこが問われるので。

１４：ブローウェルのシンプルエチュード18番。装飾音のエチュードであるが、スラーでどのくらいダイナミクスをコントロールできるかという意味では最高の「左手のコントロールエチュード」となる。

１５：楽曲はエチュードにもなりうる。逆にいえば、エチュードもちゃんとした演奏会用の楽曲にもなる。

１６：リズムはどんな人間にも認知されやすい。音程や音色は認知されにくい。「わかりやすい演奏」＝リズムがデフォルメされたものであると言える。

レッスン覚書2017年５月1日〜20日

１：ソルの楽曲のポリフォニックな部分とホモフォニー的な要素をしっかりとわけて考えるべし。

２：右手の基礎練習。自然に握る動きで弾弦する。これが基本。その基本から「奏法の基礎」を考えていく。

３：pimaの各指を独立してコントロールできるようにすること。

４：a指、つまり薬指は決して弱い指ではない。繊細ではあるが、使い方によっては「しなやかさ」がパワーとなる。

５：弦の張力にみあったタッチの強さで楽器を鳴らすこと。とはいえ、最初からたるんたるんの弦でばかりトリーニングしてはならない。がっちりと作られた楽器を強い張りの弦で「鳴らしていく」時期も数年はもったほうがよい。そこから、テンションを弱くしていく方法のほうが「近道」である。

６：録音してみれば、「音が途切れていること」がわかる。耳だけで実際に気づけるようになるのが理想だが、手っ取り早く自分で痛い思いをしたいなら、録音して練習するべき。

レッスン覚書2017年4月18日〜4月30日

１：モチーフは伴奏部分にもある場合もある。それをどのくらい「示唆する」かは奏者のセンス。だしすぎても、ださなさすぎてもNG。

２： 簡単なハーモニーをどのように広げていくか…という技術。リハーモナイズ。ある程度簡単でよいので、自分でやってみると、さまざまなギター曲の「アレンジ法」がわかってくるものである。

３：発表会では背伸びをしないこと。その時点で「いま100パーセント力をだせる」という楽曲を選ぶべし

４：青本の最初のホ長調あたりまで、ひたすら左手のポジショニングを意識して数ヶ月練習するべし。それだけでその後のギター人生が変わる。

５：ポジションと「そこから外れている」ものを区別する。人によって、+1とか-1とか、拡張と縮小の概念で表す人もいる。運指でやはり演奏のスムーズさは変わる。きちんと整理しておくこと。

６：「ひといきで歌えるかどうか」…それが曲のテンポを決定することもある。なので、うたって確認。

７： 雨だれ。３弦の音が「メロディー」。まずはこれを丁寧に四分音符と八分音符を意識して弾く。決して「6度」の練習になってはいけない。

８：雨だれ。雨がふっている、晴れ間が見える、また大雨が降ってくる…描写の音楽。どういうことを表しているのか、しっかりと考えて表現をつけること。

９：録音をとってみること。今の時代ならば、自分の演奏をしっかりと確認をとること。ひと昔の前の人ができなくて「遠回り」していたことが、いまはできる。利用しない手はない。

１０：楽器をきちんとやりたいのであれば「きちんとした先生を選ぶこと」。音楽的にきちんと考えていて、ちゃんとお弟子さんを育てている「演奏家」に習うことが大切。現場で演奏し、それをレッスンに還元できる人は極めて少ない。

１１：録音から学んでいくならば、手に入る録音のすべてのバージョンを聴くこと。それが無理なら、最低でも三種類は聴くこと。若手、中堅、ベテラン。この三つと考えても良いし、現代、ちょっと昔、歴史的録音、の三つでもよい。バッハに無数の録音が残されている意味を考えてみること。それぞれに解釈が違い、いろいろなアプローチがある。クラシックギターはその意味で録音の種類が少なすぎる。なので「全部聴く」ことも可能である。やはり、やるべし。
 

レッスン覚書2017年4月3日〜17日

１：どの曲も最初にテンポをしっかりと設定してから、スタートすること。なれてくると調弦する「ふり」をしながら、テンポ設定作業をすることができる。

２：何曲かまとめて弾く場合。組み合わせによってテンポ設定しやすい場合とそうでない場合がある。 メドレー的に弾く場合は、相互の調性をしっかりと考えることもそうであるが、リズムの整合性などを考えるべし。

３：スラー。しっかりと音を出そうとすると、「はやくなる」傾向がある。それを癖にしないこと。「任意のタイミング」でコントロールするべし。

４：カーノ、ワルツ・アンダンティーノ。メロディーはアポヤンドで弾きたいなあ、と思うのであれば、低音とのバランスを整えること。

５：各調におけるポジション重視による音階と、和音のフォーム。それを最初はしっかりとわけて学ぶ。その後に両者を歩みよらせていく。それがクラシックグリップのフォーム作りでは一番重要。

６：アルベニスは実にメロディーのセンスがない作曲といえる。独創的なフレーズはなく、基本の「軸」に尾ひれはひれがつくだけのことが多い。その「おひれはひれ」をどのように感じ取っていくか…それが良い演奏かいなかの分かれ目となる。

７：同じジャンルの音楽をたくさん聴くことと、それに執着して「同じジャンルの音楽しか聴けなくなること」はまるで別物。できれば前者でいたい。

８： いろいろな音楽に無理に触れる必要はないが、そういう心構えと行動をとることだ。自分の中の縛られた価値観で暮らすのは楽である。ただし、音楽は「刺激」である。脳みそをぴりぴりと動かす音楽＝本当の音楽である。

９：初心者のうちから、左手の指先は指板上を向いているように厳しくやっておかないと、あとで修正が厳しい。「指がはねあがる」がデフォルトになってしまっている人が、指板上に指先を向けようとした瞬間に「押弦してしまう」ことが多々ある。「指を意識する＝動かす」という間違ったスイッチがはいってしまうのだ。実はジストニアの原因もここにある。

１０： ポジショニング。最初から1弦から6弦までで行うこと。その上で左指の「はこ」の形を意識して1弦上のポジション練習を行うこと。つまり、同時に6弦のポジション練習もおこなうべし。

１１：ちゃんとした譜読みができていない「現代曲」演奏はとても危険。ひたすらに作曲家がつけた細かいニュアンスを読み取っていくこと。

１２：メロディーをきちんと歌わせる。それから低音をつけてみる。そして和声を分析してみる。いつも、その裏にメトリークを感じること。拍節感はいつでも存在する。一瞬裏方にまわろうとも、絶対に存在する。

１３：メロディーのモチーフを常に探しつづけること。モチーフを探したあとはそれがどのように作品全体に「ちりばめられているのか」を考える。そのままの形かもしれないし、すこし変形していたり、別の要素が付け加えられているかもしれない。シェーンベルクの「作曲の基礎技法」は必読である。 

レッスン覚書2017年2月23日〜3月15日

レッスンがすくなかったので、メモ書きあまりありません。。。

１：左手の押弦がおわったあと、離弦した指はそのままの場所で（原則として）待機。確率の問題であるが、また「使用する」場合が多い。例えば、ドレミとメロディがくると、もういちどドレミ〜とくりかえす場合が多い。ドレミというメロディーのあとに、たとえばシファドーとランダムなメロディーにいくことのほうが少ないものだ。

２：テンポっていうのは平均時速の感覚が大切。

３：音をつなぐ感覚。音が減衰する楽器であってもクレッシェンドの感覚は大切。

４：時代様式。クラシックギターは本当に様々なジャンルの音楽を扱う。ジャズ的なもの、ポップス的なものも入り込んでいる。ある程度のコード理論は必須。

５：ルネッサンスの「歌」への感覚はもっておいたほうがいい。

６：左手の準備が「できている」と思っていても、なかなかできていないもの。ビデオをとるのが容易な時代なので、スマホで撮影してすぐチェック。だが、便利な時代になればなるほど、みんなツールを使わない。そういうのがない時代のほうが、自分でがっちりと意識して自己修正できたのかもしれない。

７：クラシックギターのなかに、全部をとりこもうとしてはだめである。クラシックギターはクラシックギターの良さがある。そこのジャズの本当の良さ、ポップスの本当の良さ、ルネッサンス音楽の本当の良さを「そのまま」とりこむことはできない。クラシックギターという楽器の良さを引き出すことを忘れてはだめである。

８：基礎練習というものは、良いパーツを作る作業。粗悪なパーツで作った機械はそれなりに動くが、短時間で故障したりする。良いパーツがひとつ入るだけで、ちょっと改善する。そして良いパーツの性能を活かすために、他のパーツも質もあげたくなる。そうやって、基礎練習って幅を広げていく。というよりは、じょじょに広がっていくのだ。