ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

シュナーベル

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※他に池袋、横浜青葉台でもレッスンしています。

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機械的な反復と有意義な反復

反復練習には肯定派と否定派がいるようです。

肯定派:何回でもやらないと指に馴染まない
否定派:機械的に何回も繰り返しても無駄である。

反復練習にもふたつの派(考え方)があるというわけです。

「心で弾くピアノ」という本のなかに面白い一節があります。アルトゥール・シュナーベルの息子さんの回想です。

以下、229ページより引用。

ある日、父親のスタジオの外で聴いていたら、たったひとつのパッセージを200回も繰り返していたという。父親が機械的練習にどれほど不賛成だったか知っていたので、なぜこんなに繰り返すのか訊いたところ、「機械的に練習しているのではない、音楽をつくっているのだ!」と父親は反論した。シュナーベルにとって繰り返しは機械的な練習どころではなく、反対に、たえまなく実験を繰り返すことによって音楽をつくる手段を与えてくれるものだったのだ。

心で弾くピアノ―音楽による自己発見
セイモア バーンスタイン
音楽之友社
1999-04-01



ポイントは繰り返すにしても、一回毎に考えながら行うことなのです。技術面でクリアしたい部分があれば、その解決法を考えることが大切ですし、表現面を探求するのであれば、毎回違うアイデアを試しながら行うことなのです。

あのイチロー選手も、ピッチングマシンを相手に3時間〜4時間ほど黙々とバッティング練習をするのだそうです。ただし、ただバットをふっている訳ではありません。一球毎に明確な目標とイメージをもって練習を積み重ねているのです。可能性をためし、アイデアを試しながら行っているわけです。精度を上げるために軌道修正を行いながら練習しているわけです。

なので、反復練習でも2種類あるわけです。
機械的な練習→時間をこなせば上手くなるでしょうか?…ならないでしょうね。。。
頭を使った練習→慣れてくると楽しい作業です!

みなさんも気をつけて練習しましょう。時間だけこなせばいいというわけではありません。脳みそをしっかりと使って無駄のない練習をしましょう。




 


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練習の仕方を考える:効率と反復

練習というものの効率を考えるようにいつも生徒に言っているのですが、ものすごくよくまとめられたインターネットの記事があったのでご紹介します。

「頭を使え!」名門音楽大学教授による効率よく能力を高める練習法とは?

私自身もこれを読んで、論理的によくまとめられているなあ、と思いました。普段の練習の仕方を再点検しているところです。

10000時間の計画的訓練…この「計画的な訓練」というのがとても大切ですね。無駄な反復練習は意味がないということです。客観性を保ちながら目的を持って練習しましょう。そういえば、先日、秋吉台ギターアカデミーで講師をしましたが、同じく講師であった松下隆二先生がこういっていました。

「練習するときは、目的を3つくらい書き出す(具体的にメモをする)」

…うむ、なるほど!…と思ったものです。

具体的な練習法としては、まずは自分の演奏を客観的に観察。
そして、課題をチェックする(書き出すと良いかも)。
課題を克服する方法を考える。

…と言ったところでしょうか?

練習時間は多ければよいというわけではありませんが、音楽的な創造のための時間はいくらあっても良いと思います。(これは上記記事には触れていないことです)

上記記事においてはどの巨匠達も4時間以上の練習は必要がない…ということを述べています。そして機械的な反復は避けるべきであると言っているのです。

機械的な訓練を嫌悪していたとされるピアニスト、シュナーベルでさえも同じフレーズを200回…弾いていたいしていたそうです。その真意はなんなのでしょうか?

彼はこういったそうです。「機械的に練習しているのではない。音楽を作っているのだ!」と。つまり、そのフレーズの音楽的な可能性、解釈の可能性を試していた訳です。納得のいく音色、納得のいく表現解釈を追求していたのでしょう。

このことは下記の本の229ページに書かれています。興味深い話なので是非読んでみてください。
心で弾くピアノ―音楽による自己発見
心で弾くピアノ―音楽による自己発見
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私の師匠であるアレックス・ガロベー氏にもよく似たようなことを言われました。最初に習い始めたときに、質問を受けました。
師匠:「お前は毎日どのくらい練習している?」
私:「一日、8時間くらいです」
師匠:「多すぎる!その半分でいい!」

…という感じで、自分の演奏を客観的に聴き、観察し、自分で修正していくコツを教わって行きました。それまでの私は機械的な反復練習ばかりをしていたのでしょう。ギターならではの陥りやすいミスのポイントや聞き逃しやすいミスの傾向などがあります。それを最初の頃の数回のレッスンで徹底的に叩き込まれました。ちょっとした手のアングルの工夫や運指の工夫で弾けなかった部分が「あれ?弾けた!」と驚いたことを思い出します。そして、その理由(基本的な理論)をじっくりと説明してくれました(素晴らしい先生でした!!!)。

技術の克服が済んでしまえば、すぐに音楽的な解釈に入れます。そして、そこには一生分の時間をかけてもよいわけです。アレックス師匠の場合は、技術と音楽表現はできるだけ同時に解決、決定していく…というポリシーがあったようです。つまり、表現の方向性が決まらなければ運指も決まっていきません。

(しかし、全体感をつかめなければ楽曲部分の表現も決まらない訳ですから、初見力、読譜力も大切となってきます)

全体を見渡し、数小節分の表現を考える…最初アレックス師匠のレッスンでは一日数小節しか曲を練習できないような有様でした。。。ですが、このプロセスを繰り返して行くと、練習のシステムができてきました。曲全体から細部へ、細部から曲全体へ…フォーカスを瞬時に切り替えながら曲の練習を進行させていくプロセスが出来上がってきます。このシステムができあがるのに、おおよそ3ヶ月くらいかかりました。

練習時間は短いほうがいいですが、計画的な練習が大切です。そして解釈や音楽表現の可能性を試すための反復は機械的な反復とは違います。

そのことを肝にめいじて、日々練習したいと思っています。そして、生徒さんにもその観点からレッスンしていきたいと思いを新たにしました。

…とバルセロナから帰ったばかりなので、アレックス・ガロベー師匠のレッスンの話とつながってしまいました。そういえば、前の記事で書いた「体の中心軸と音楽表現の関わり」も書きたかったなあ、、、と。それはまた次の機会に!



 


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