ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

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CMC関節の意識・・・右手のフォーム

最近、生徒を見ていて、指の関節について観察しています。

まずは結論。右手のMCP関節を動かすときにCMC関節をロックしている人は手首が固くなっている傾向があります。

逆にいうと、スムーズに腕全体のリンクを保って弾弦動作ができている人は、あきらかにCMC関節が可動しているように見えます。

これは実は昨年の九州の湯布院で行った講習会でのレクチャーのテーマだったのです。それ以来、ちょっとだけ意識して生徒たちの弾きぶりを観察していたわけです。

全員に教えることはないですが、どうも手首が硬くなっているなあ・・・という生徒にはCMC関節を意識させることにしています。そうすると非常に腕全体のバランスがうまくとれることが多いです。

腕はショベルカーのアームのようなものです。ショベルは手の部分になりますね。そのアームとショベルが「的確なバランスで結ばれていること」が実はショベルの力を最大限に活かす方法なのです。そのためには「硬くなりすぎても」だめなわけです。もちろん、脱力しすぎてもだめです。

その具合を確かめるチェック法もありますが、これは文章では書きにくい。手を水平にして「波のように」ぶらぶらーっとしてみる・・・ただそれだけなんですが、これができる人はCMC関節が機能している状態であると推察できます。

右手の指がスムーズに動かない・・・指が巻き込まれてしまう・・・といった症状が出ている人は「手首が硬くなっている=CMC関節が意識されていない=機能していない」ことが多いのです。そして、上記のチェック法での動作がスムーズにできない人が多いのです。

右手のフォームを作るのは本当に大変です。

先日の「右手親指の消音」もそのフォームつくりのための必須の知識です。そして、弦を効率よく振動させる理論や爪の形状・・・ほんとうにきりがないのです。

そう考えると、ほとんどのギター教本の最初のほうにある「ギターの構え方」や「右手の基本フォーム」というのは・・・うーん、いらないんじゃないかなあ・・・もしかして必要悪??・・・などと思ってしまうのです。


教えることはやっぱり難しいなあ・・・と。でも、頭を働かせて、いろいろ考えていくと「人間研究」でもあるので、そのあたりは楽しいものでもあるのです。毎日ワクワクしながら、レッスンしているといっても過言ではありません。


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レッスン覚書ミニ〜2008年3月11日〜12日

  1. 愛のロマンス。薬指のアポヤンドの意味。アポヤンドで弦にもたれかかった指をmが発音するぎりぎりまでキープしておく。右手の無駄な動きをなくすための練習法でもある。
  2. 子供の生徒。手拍子を打ちながら「一定のテンポ」を意識させる練習。幼児のレッスンは「ギターレッスン」というよりも「音楽のレッスン」となることのほうが多いです。
  3. ホセルイス、テクニックノート。第3章、左手各指の独立と強化練習。必ず静止した状態から打つ!…のが基本。この練習は指に負荷をかけるので5分以内に収めること。アクションは正確に&百発百中を目指す。
  4. 右手の弾弦理論を理解したら、各弦において練習。5弦にPを。3弦〜1弦にそれぞれimaを置く。まずはiだけで弾弦練習。その際に残りの指は弦に触れたまま残しておく。この初歩の段階が実に重要。じっくり時間をかけて練習したい部分ではある。それを曲で応用するためにはアルペジオ主体の曲が望ましい。
  5. アポヤンドの練習はアルアイレの然るべき弾弦方向を定めるためにも有効。特にアルアイレを引っ張りあげる癖のある人の矯正練習として役にたつ。アポヤンドとアルアイレが同じ音質になるようにフォームを研究すること。
  6. 左手の筋力というのはある程度は必要。とはいっても指の動きをコントロールするための筋力のほうが大切。手&指の構造は実に複雑なので、このあたりはありとあらゆる動き(パターン)を試し、実験し、経験から学んでいくしかないのかもしれない。
  7. ドビュッシーの曲はリズムが重要。センチメンタルなアプローチをすると、緊張感が失われることがある。
  8. アメリアの遺言。ハーモニクス部分。左手の指の残しかたがポイント。左手を見ないで筋感覚にしたがって覚えてしまう。それをしないとオクターブハーモニクスは厳しい。
  9. エチュード。一回生徒が弾いて、私が「前回こういうことを注意したんだっけなあ…」と思い出せれば、そのエチュードでの課題はクリアーしたことになる。「あれ前回何を注意したんだっけ?」というのでは、その生徒は前回の注意点を練習してこなかったといえる。音楽的な面を攻めた場合などは、この点は如実にわかる。
  10. p指による消音は右手のフォームを定めるのに重要なポイントだと思う。そのほかにギター演奏のために必要なテクニック&コツはたくさんあり、これが分からないと、実は右手のフォームは定まらない。もちろん右手も。
  11. 忘却曲線について知っておくと、「うわあ、家に帰ってすぐ復習しなくちゃ!」と思うはず。なので、たまに表を見せます。エビングハウスの忘却曲線。4時間後には半分のことを忘れているという恐怖の曲線です。復習は軽くでいいので、レッスン後、帰宅してからちょこっとやるといいということですね。

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P(右手親指)のフォーム

なんだか最近、抽象的なことばかり書いていますので、たまには具体的に役立つことを書きます。

最近、生徒に右手親指のフォームを注意することが多いです。

右手の親指(p)のフォームについていくつかポイントを整理しておきます。

要点は以下。みなさま、チェックしてみてくださいね。

.好燹璽困膨祺擦両嘆擦できるか?(直接消音&間接消音)

肉と爪のタッチ、両方できるか?(この2つのタッチをスムーズに切り替えられるか?)

pだけ独立して動いているか?

ぃ陲離織奪舛琉銘屬六悗力董兵蠅粒安Α砲里曚Δ砲覆辰討い襪?

上記、4点を常にチェックすることで、pのタッチは劇的に変化します。逆に言うと、生徒さんのなかにはこれらの点が意識されていないために、pが不安定→右手フォームが不安定→さらにpのタッチが不安定・・・という悪循環に陥っている例が多いのです。

(もうちょっと細かい解説)

、直接消音(Pで弾いた弦に軽く触れて消音)は問題のある人はほとんどいません。弾いた弦に指をもどすだけですから。難しいのは間接消音(pの“背中”で音を消す)です。この直接消音と間接消音を『できるだけ』同じPのフォームで行うことが大切です。手首をぐいっとひねらないと間接消音ができないというのでは、アルペジオ部分などでimaが不安定になるでしょう。

□Pのトーンバリエーションは大別すると、爪と肉のタッチになるのでしょう。最低限この2種を使い分けなくてはいけません。おおまかにいうと爪はすっきりとした音で、肉はちょっとファットなサウンドというところでしょうか?。肉と爪の中間トーンというのもあるのですが、とりあえず、2種でいいと個人的には思います。この2種類をpと弦とのアングルをほとんど変化させずに使い分けられることが、大切です。爪をかけるために、ぐいっと手首を突き出したりしないことにも注意してください。実質上、爪タッチのために必要な爪の長さは1ミリもないくらいで充分であると思います。

→Pはできるだけ自然に動くように心がけましょう。初心者にはそれが大事です。親指の全ての関節がスムーズに動くような感覚です。最初、音色が安定しないかもしれませんが、親指を突っ張ったり、ひねったりしないように心がけることが大切。昔は「親指は付け根から動かすもの」と教えられたものですが、このアクションは他の指のアクションを阻害する傾向があります。pが独立して動き、かつ他の指の動きに干渉しないようなバランスを見つけることが大切です。

あこれは△箸盍慙△あります。初心者の人は、ついついpの爪を伸ばすと、てっぺんのほうを使って弦をはじこうと思ってしまいますが、これは間違い。実は脇のほうの爪しか使用しなくてもいいのです。弦に対してのPのアングルは、他の指とはまったく別です。

 

・・・Pのアングルは結構中級者、上級者でも迷うものです。上記、文章だけではわかりにくいかもしれませんが、みなさま是非チェックしてみてくださいね。

 

 

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イエペス伝記と奏法

先日のレッスンで、左手の二の腕が疲れる・・・という生徒さんがいました。

いわゆる「現代的なフォーム」で演奏するタイプの生徒さんです。

右手の自然さを追求するあまりに、ネックのヘッド側が上がりすぎて、左腕を「持ち上げてしまう」というフォームになってしまったようです。

それで思い出したのが、この本。ナルシソ・イエペスの弟子が書いた伝記です。

イエペス伝記

この中に、イエペスが何故「奏法改革」を行ったか?という理由が書いてあります。

(それにしても派手な表紙だな・・・)

 

 

 

 

 

イエペスはどちらかというと、ネックを地面に水平に近く構えていました。結果として、左手を持ち上げずにすみます。肘は床方向に重力に逆らわず、すとんと落ちている感じ・・・というわけです。

ぺぺ・ロメロなどのフォームもこの考え方に近いのではないかと思います。

個人的には、イエペスのフォームは苦手ですが、考え方は共感するものがあります。

で、何が言いたいかって?

・・・つまり、ギターのフォームを考えるには、体のことを考えねばならない!ということです。右手のことばかり重視すると、左手が不自然になるし、その逆のおおいにありうる、ということ。

なんかシーソーみたいな感じなのです。教えるほうも大変です。

 

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レッスン覚書2006年11月14日〜15日

レッスン覚書です。11月14日〜15日の分です。たった2日分ですが、どうぞ。

ソル20のエチュード。細かい部分をみていくこともできるが、リズムの違いをターゲットに数曲まとまてレッスンするのも効果的。例えば4番で4拍子のプロポーション、5番で3拍子のプロポーションを体得してもらうという具合に。

左手の押弦している指を基準に次に押さえる指を『探す』という感覚が初心者には大切。手の中の距離感とでもいうのだろうか・・・これをマスターするために音を完全に覚えた曲で目をつぶって弾いてみるのも効果あり。

ソルの魔笛。イントロ部分をハイポジションを多用している版があるが、やりすぎは時代の様式を無視する結果となる。ソルの時代の運指法はできるだけハイポジションの押弦を避けるのか基本。そのほうが音がよく伸びる・・・と考えられていたからだ。これにはもちろん当時の楽器のつくりの精度も関係していたと考えられるが、どちらかというと音響上の理由である。これをふまえたうえで求めている音楽、現代的な感性に合う運指を見つけることが大切。

変奏の弾き分け。短調の変奏にはいるところは、『それらしく』入ること!。しらーっと入ってしまうと、聴き手が「あれ?今短調だったの?」と耳がチューニングできない。音色や歌いまわしなどを工夫して、短調になりますよ〜という予告をはっきりと伝えることが大事。もちろん音程にも気をつけること。

ソルのギャロップ。馬の動きを模した曲と考えることができる。馬の歩みをイメージし、じょじょにリズムが“整っていく”、またはリズムに“のっていく”という感覚を表現したいところ。アウフタクトをはっきりと表現する点も大事である。

『古いフォーム』『新しいフォーム』というような分類は嫌いだ。某大学サークルでは、そのような分類がされているらしい。

セゴビアやイエペスは『古いフォーム』で、デヴィッド・ラッセルなどは『新しいフォーム』?という謎の分類法である。

巨匠たちのフォームに新しいも古いもない。彼らは自分の体の動きに従った奏法を見つけていっただけである。セゴビアの愛弟子でそっくりそのまま師匠のフォームを真似た弟子はひとりもいない。ディアスにしてもホセ・ルイスにしてもまるで違うではないか!

・・・そのようにシンプルに分けてしまうのはとても「わかりやすい」ことが多いのも分かるが、失うものは大きい。

『このギタリストのフォームが“現代的なフォーム”だから、真似すれば彼のように弾ける!』という単純な発想なのだろう。考えるべきは、そのギタリストがどのようにして、そのフォームに至ったのか・・・という点である。

真似をしたって、うまくなるはずはない。

 

左手のポジション練習を毎回やらせる場合がある。この場合、すぐに弾き始めるのではなく、楽器と体のバランス、体の状態をチェック。常に意識することが大切。この癖をつけることで、どのような練習をする場合も体とギターのバランスを考えるという思考回路ができあがる。

右手の動きを日常も常に観察してみよう。関節はどのように動いているか?無駄な動きはしていないか?・・・などなど、いろいろとチェックしてみることが、ギターでも必要だ。

教え方=人生観・・・だと思う。良い教師には2通りあると思っている。生徒が自分で気づくのを待つタイプ、とりあえず全てのアイデアを与えてしまうタイプ。おおまかに二つ。しかし、その両方をバランスよくミックスしていくことが大切。

ティーチングとコーチング、どちらかに偏ってもいけない。

子供のレッスンはやはり、外部の教室ではなく、設備の整った自分の教室でやりたい。椅子の高さ、道具、ギターの大きさにいたるまで、いろいろと試したいからである。

 

 

 

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