ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

レッスン覚書

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レッスン覚書2017年4月3日〜17日

1:どの曲も最初にテンポをしっかりと設定してから、スタートすること。なれてくると調弦する「ふり」をしながら、テンポ設定作業をすることができる。

2:何曲かまとめて弾く場合。組み合わせによってテンポ設定しやすい場合とそうでない場合がある。 メドレー的に弾く場合は、相互の調性をしっかりと考えることもそうであるが、リズムの整合性などを考えるべし。

3:スラー。しっかりと音を出そうとすると、「はやくなる」傾向がある。それを癖にしないこと。「任意のタイミング」でコントロールするべし。

4:カーノ、ワルツ・アンダンティーノ。メロディーはアポヤンドで弾きたいなあ、と思うのであれば、低音とのバランスを整えること。

5:各調におけるポジション重視による音階と、和音のフォーム。それを最初はしっかりとわけて学ぶ。その後に両者を歩みよらせていく。それがクラシックグリップのフォーム作りでは一番重要。

6:アルベニスは実にメロディーのセンスがない作曲といえる。独創的なフレーズはなく、基本の「軸」に尾ひれはひれがつくだけのことが多い。その「おひれはひれ」をどのように感じ取っていくか…それが良い演奏かいなかの分かれ目となる。

7:同じジャンルの音楽をたくさん聴くことと、それに執着して「同じジャンルの音楽しか聴けなくなること」はまるで別物。できれば前者でいたい。

8: いろいろな音楽に無理に触れる必要はないが、そういう心構えと行動をとることだ。自分の中の縛られた価値観で暮らすのは楽である。ただし、音楽は「刺激」である。脳みそをぴりぴりと動かす音楽=本当の音楽である。

9:初心者のうちから、左手の指先は指板上を向いているように厳しくやっておかないと、あとで修正が厳しい。「指がはねあがる」がデフォルトになってしまっている人が、指板上に指先を向けようとした瞬間に「押弦してしまう」ことが多々ある。「指を意識する=動かす」という間違ったスイッチがはいってしまうのだ。実はジストニアの原因もここにある。

10: ポジショニング。最初から1弦から6弦までで行うこと。その上で左指の「はこ」の形を意識して1弦上のポジション練習を行うこと。つまり、同時に6弦のポジション練習もおこなうべし。

11:ちゃんとした譜読みができていない「現代曲」演奏はとても危険。ひたすらに作曲家がつけた細かいニュアンスを読み取っていくこと。

12:メロディーをきちんと歌わせる。それから低音をつけてみる。そして和声を分析してみる。いつも、その裏にメトリークを感じること。拍節感はいつでも存在する。一瞬裏方にまわろうとも、絶対に存在する。

13:メロディーのモチーフを常に探しつづけること。モチーフを探したあとはそれがどのように作品全体に「ちりばめられているのか」を考える。そのままの形かもしれないし、すこし変形していたり、別の要素が付け加えられているかもしれない。シェーンベルクの「作曲の基礎技法」は必読である。 

レッスン覚書2017年3月16日〜4月2日

1:その作品に惹かれた初期衝動に忠実であること。その正体を明らかにするために勉強すること。

2:消音という基本的な事項ができていないのは大問題。その大問題を放置して小問題にあたろうとするのはおろかである。

3:カルッリの45のエチュード。進んでいくうちの調性の配置がじつによくできているので、知らないうちにギターの機能性を把握できるようになってくる。

4:カルリ45の45番。左手の安定性。と1234指のバランスを考える。和音を弾くときと音階を弾くときのフォームを整える(近づけていく)ためのエチュードといえる。

5:ポジション移動のときは「腕をふらないこと」。腕をふってその反動でポジション移動する癖をつけるとあとでその悪癖を治すのが大変。

6:歩幅。一定の歩幅を身につける。その意味でメトロノームに合わせて練習することは大切。一定のテンポを歩き続けるイメージと技術があることが前提である。そのがあって、「つめる」「ゆるめていく」ができる。正確にひくためにメトロノームを使うこととは目的が違う。

7:ピッチ感。上行解決、下降解決。音の幅を狭めるべし。

8:ロングトーンとそれを支える伴奏。どのように支えるかは歌手の名伴奏を探して研究すること。

9:盗賊の歌のE.S.デ・ラ・マーサ編。リョベート編とどう違うかということも大切だが、偶然にできたギターの開放弦をうまくつかった和音にどう意味をつけるかを考えることが大切。

10:エチュードは「パッと弾いて」どのくらいの情報量を得られるかという観点でのトレーニングの意味もある。

11:楽譜の音符に含まれている情報を読み取り、それを指板上に視覚化していく。初見のトレーニングに近い。


 

レッスン覚書2017年2月18日〜2月22日

1:やり方を教えてもらっていないと受け身になる。他の教室で学んだ生徒さん、、、そういう受け身の方が多い。受け身は癖になる。

2:もし技術解決や表現実現のためのツールを学んだならば、自分で応用してみること。そしてそれが正しい道具の使い方なのかをレッスンで確認すること。それが「本当のレッスン」。

3: ある程度、弾きこなした曲や発表会やコンクールでかけた曲。寝かせるということは大切。寝かせることで熟成することもあるが、新鮮さを取り戻すための時間とも言える。

4:レパートリーとなった曲は毎日弾き続けることでマンネリになる場合もある。1週間に一度程度さらうことで、抜けている部分などがわかってくる。イメージがしっかりとできていないところや練習不足の点は暗譜していたとしても抜けが顕著になる。

5:グラナダ。長く伸ばす音。強く音を出すという音量のイメージよりも、「音を前に出すイメージ」。

6:ディアンスのサウダージ二番。なかなかよい曲。

7:ディアンス。他界してレッスンにもってくる生徒増えた。

8:ブローウェルのシンプルエチュード15番。珠玉の名曲。1弦2弦上でのメロディーの歌わせ方は当然だが、特筆すべきは2ページ目の3弦上でのメロディーの歌わせ方。名器シンプリシオで若き頃名ギタリストであったブローウェルらしい作曲である。ギターの「おいしい点」を熟知している。

9:シンプルな基礎練習。自分の知っている限りのことを「注意」して行う。いずれがそれが歯磨きのようになってくると、よいね!

10:カルカッシギター教本のエチュード。リズム、和声、旋律…いろいろと考える。たくさん試して、表現の可能性を感じる。そのためのエチュードともいえる。

11:基本的な和声分析ができてくるだけでも、表現に立体感がでてくる。 

12:バッハの山型音形、谷型音形。三音でつくられるこれら二つを意識するだけd音楽の構造が見えて来る

13:装飾音が置かれているところは「強調」点。そこへ向かっていく意識をもつべし。

14:音高ばかりを意識してダイナミクスをつけてはならない。

15:コンクールに通るコツ=審査員に文句をつけられない演奏をすること

16:久々に弾いたときの演奏が、その人の実力。

17: ヴィラ=ロボスのプレリュード全体になんとなくストーリーが見える。そのくらい一曲ずつのキャラクターがしっかりとしていると言える。そしてそういうキャラが見えてくると一曲ずつの表現の目処がたってくるだろう。

18:ヴィラ=ロボス、プレリュード3番。doloridoとmolto adagioのニュアンス。悲痛な感じをフォルテでスタート。この表現は「絶叫」に近いものかもしれない。ただし内的な叫び。叫んでも叶えられなかった望み=絶望。そしてadagioという「細心の注意を払う」ニュアンス。このふたつの情感やテンポ感が表現できるとよい。

19:ヴィブラートは倍音のコントロールである。基音にたいして、どういう倍音をプラスしていくか。考えるべし。

19:楽譜を見て演奏する場合(視奏)は「どこをみるか」ちゃんと決める。楽譜をみるのか手をみるのか決める。暗譜の場合も「どこをみるか」ある程度決めておくこと。 

 

レッスン覚書2017年1月30日〜2月16日

1:ソルのエチュード。古典的に「1:1:2」比率でフレーズが書かれていることが多い。

2:古典。小節線で和声がかわる。小節線をまたいでの同音反復は「非和声音」のことが多いというルールはこれが由来。

3:音高があがっていくフレーズはクレッシェンドでもよいが、和声も考えること。ラーシードとあがっていくフレーズ。Am-E7-Amという和声であれば、最後のドのフレーズはすこし「音量小さめ」でもよいかもしれない。

4:マルサグリア「白鳥の歩み」。トリルの取り扱いの曲としては秀逸。

5:夢〜マズルカ。終わった部分からスタートする感覚を。B部分(マイナー)を弾いてみて、もどることをイメージして曲を開始するとうまくいく。

6:コードを覚えるのとクラシカルな読譜が綺麗にリンクしてくる瞬間…なかなか味わい深い。ポピュラーだけを習っていては経験できない感覚だろうな。

7:ミランの譜本の最初の10曲だけでもなかなか手ごわい。だが、名曲多い。ギタリストの人は6つのパヴァーヌの印象が強すぎてミランのポリフォニック楽曲の凄さに気づいていないかもしれない。

8:和音の特定の音だけピックアップして強く弾くことはクラシックギターでは当然である。これは実は鍵盤楽器よりも難しいかもしれない。

9:ヴィラ=ロボス、プレリュード3番。和音の弾き方の可能性。セゴビアとヴィラ=ロボスの邂逅時の逸話をしっているといろいろ見えて来る。ギター史を知ることって大切。

10:ヴィラ=ロボス、プレリュード4番。最初のチェロ的なフレーズの終止のロングトーンは和音の「倍音」で補強する。

11:ヴィラ=ロボス、プレリュード4番。途中のアルペジオで1弦開放を鳴らし続け「ドローン」効果。「テンションコードと捉えること=ドローン」ではない。

12:シュナイダー、青春。イントロのイントロらしさ。実際の曲にはいってからのインテンポ感と変化をつけるとすれば、大げさに「エンジンをふかすように。

13:ベースの「導音」はアポヤンドをかけることによって、音量がかわる。同時に意識がかわる。

14:タレガ、夢〜マズルカ。冒頭のテンポ設定丁寧に。

15:長調と短調のテンポ設定。長調は「アップ」、短調は「ダウン」。テンポは歩みなので歩幅で考える場合もある。いろいろな設定な仕方があるので、最低でもテンポ設定の方法は3種類はあるとよい。



 


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レッスン覚書2017年1月15日〜29日

1:バッハのフレーズ。フレーズよりも小さい「セル(細胞)」を発見しましょう。2音〜3音の小さい塊。

2:バッハの曲、分散和音なのか、音階的なのか、分けるべし。そこから「セル」をさがす。

3:ソルはとてもバロック的なアプローチをとることがある。同じ和声でメロディーでもすこしだけ変奏する。その変奏の仕方がとてもバロック的。ディミニューション的であったりする。

4:曲集。通常は簡単な曲から大きな曲へとなっていく。大きな曲は実は「繰り返しが多い」。たとえば、a-b-a-b-a-c-aという構成であれば、実際に練習するパーツは少ない。その意味では怖がる必要はない。

5:身体操法について若干解説した。身体は固定されてはいけない。あるアクションがおこったときに、全身は連動していく。動くべき部位を固定すると「硬直」をがおきる。硬直が恒常化すれば障害へとなっていく。

6:演奏姿勢はシンメトリーである必要はない。

7:「テンポを詰めていくこと=走ること」ではない。

8:普通に歩いていて、「あ、少し急がないと電車に間に合わないな」というときに、本当に焦っていたら走らなければならない。でも毎朝通勤時に走っていたらバカでしょ?…という例え方。あ、やばいなーと思っても「少し気持ち早めにあるいている」という感じが「前向きなテンポ」の意味。

9:禁じられた遊び。一息でメロディーを歌う…という感覚がわかるとテンポが設定できる。

10:音楽は何を表すものなの?…という問いに自分ですぐにシンプルな答えをだせるようにしておくこと。それができないと、迷う。

11:プロギタリストの左手のウォーミングアップで、ゆっくりとスラーをしているのをよく見かける。ゆっくり押さえ、ゆっくりと指を弦からはなしていく。指の「はこ」を作っていくのに最適なウォーミングアップである。

12:19世紀の楽曲に、バロック時代のディミニューションを見出すことができる。そうすると装飾音の適切な演奏プロポーションをチェックできる。その意味で、オルティスの「変奏論」は必携であり、ある程度自分で弾いて「感覚をつかむ」ことは大切。

13:夢〜マズルカ。三拍子感をキープ。実際に生徒さんに三拍子を振ってもらい、周期を感じながらやってもらう。だいぶ掴めてきたようである。

14:上声部と下声部でリンクしてクレッシェンド、デクレッシェンドをかけることができる楽曲は苦労しない。

15:基本的にクラシックグリップはギター「独奏」という分野では汎用性が高い。エレキギターなどのソロだけ弾く、ネックが細く和音もシンプルなものを使う場合はカントリーグリップがふさわしい。

16:指を均等に使うクラシックグリップは一見力みを生むように見えるが、きちんとコントロールされてトレーニングされていけば「汎用性」の高いフォームとなる。それを身につけたことがない指導者に「クラシックギターの左手フォームは無意味で不自然だ」と言う筋合いはない。

 
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