ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

レッスン

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音楽表現を考えるためのヒント2

表現力っていうのはなんでしょうか?そしてどのように学ぶべきなのか?ということをテーマに連載しております。

前回は、音楽の三要素を使って、「音楽でストーリー(ドラマ)を作るためのヒント」をお話ししました。
音楽表現を考えるためのヒント1

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第二回!


音楽の三要素とはなんでしょうか?
旋律、和声、リズムです。

今回はこの3つのうち、旋律についてお話ししてみたいと思います。西洋音楽において旋律はどのように作られるでしょうか?何か元になるものはないのかな?…どう思いますか?

作曲家たちはどのようにして旋律を作っているのでしょうか?…インスピレーション?霊感?

こう考えてしまうと…なんだか正体不明ですね。ミスティックなもので、我々凡人には理解しがたいものになってしまう。

なので、もう少しシンプルに考えましょう。基本になっているものは「音階」です。西洋音楽であれば、基本的に「音階」でメロディーが作られているわけです。

音階にはどのような要素があるのか?…まずはそのあたりを勉強していくとよいと思います。音階にはどのような種類があるのか?…「楽典」の知識が必要です。

楽典は世の中にたくさんの種類がありますから、書店などで「あ、これなら分かりやすいかな?」というのを見つけてみるとよいでしょう。

順次進行、跳躍進行、協和音程、不協和音程…メロディーの「変化」を表すためには以上のような要素が用いられます。

それぞれに、緊張感、親和感、安定感、不安感、意外感、などなど...いろいろな印象がありますね。その印象をうまく使って音楽は「変化」を表しているのです。

簡単に言うと、まずは「実際に声にだして歌ってみる!」ことが大切。

音程を感じながら歌ってみる。音程それぞれに「印象」があります。それを整理していくしかありません。

そして、旋律というのは和声やリズムとの兼ね合いでいろいろと変化します。そのあたりの「感じ」をつかみたいなあ…というのであれば、以下の本がオススメです。

演奏のための楽曲分析法
熊田為宏
音楽之友社
1999-07-01


音の高低による緊張度の違いや、順次進行、跳躍進行による感じの違い。非和声音に扱い方など、具体的な楽曲とともの紹介してあります。もちろん、ある程度の基礎的な「楽典の知識」(調性や音程など)は必要ですが、読み進めていけば「こういうことを作曲家は考えて、自分のイメージを旋律に託しているんだな!」というのがおぼろげながらも分かってきます。

いずれにしても、メロディーは和声とともにあって意味をなしてきます。非和声音についての知識が必要となってきます。「非和声音」というくらいですから、「和声の音にあらず」です。なので、和声がわからないと理解しづらいですね。

旋律を解釈する場合には非和声音を見つけることからスタートするとよいかもしれません。

さて、メロディーはただ適当に音階を上がったり下がったりしているものなのでしょうか?…いいえ、違います。良いメロディーには発想の元になっているものがあります。それを「モチーフ」といったりします。

モチーフを元に作曲家は、変形させたりして、楽曲全体の統一した印象を作っていきます。

このモチーフについては以下の本がとても参考になります。
作曲の基礎技法
アルノルト・シェーンベルク
音楽之友社
1998-12-10


ベートーヴェンの楽曲を中心に「モチーフ」をどのように展開させていくのかを分析しています。冒頭部分を読むだけでもヒントがたくさん得られます。作曲家がモチーフをどのように展開させているのかなあ?と自分がやっている楽曲の中で意識が向くようになると、旋律の扱い方がとても丁寧になります。

さて、非和声音やモチーフについて述べてきましたが、旋律について意識を働かせるためには「秘伝」があります。

それは…自分でメロディーを作ってみることです!そのための参考書としては、以下の本がとても参考になります。ポピュラー音楽のため・・・と銘打っていますが、段階的に書かれています。この本を読めば、作曲家が「あてずっぽうに」旋律を書いているわけではないのだ!…とわかるはず(霊感…などという曖昧な言葉では美しくロジカルな旋律は生まれないのです!)。



以上、旋律について、どのように勉強していったらいいのか?…を参考書を中心に説明してきました。

旋律にもリズムがありますので、そのあたりも注意して…と書き始めると無限に終わらなくなりますので、このあたりで。

とりあえずのまとめとしては「歌ってみる」「メロディーを作っている人の気持ちになって分析する」「自分でもメロディーを作ってみる」という作業をしてみると、旋律を分析する感覚が養われてきます。


では、「音楽表現を考えるためのヒント3」へ続きます!


音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣!」に参加ください! 
詳細はこちら! 




 


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音楽表現を考えるためのヒント1

表現力っていうのはなんでしょうか?

これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。

当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。

当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る…それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか?」と訊いてくることがあります。

勉強すればできるよ〜!とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。

今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回!

まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか?…これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。とはいっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。

では、ストーリーとは何か?…はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。つまり「変化」=ストーリーというわけです。

音楽では、それを「音楽の三要素」(旋律、和声、リズム)を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」(シンフォニア刊)があります。

演奏の原理
大阪村上楽器
2006-04-21


この本から多くのことを学ぶことができます。基本的な概念はシンプルです。

動的であるか静的であるか?…これが変化を作る要素ということです。テンポの速い遅い、音量の変化、アーティキュレーション、etc...いずれの要素も動的であるか静的であるかという区別がつけられます。

音色についても動的であるか静的であるかということがあります。面白いのはこのような区別がつけられると、音量の変化や表情記号の知識などと組み合わせると、様々な表現のバリエーションが得られるということです。

以前、スペインの女流ギタリストであるマリア・エステル・グスマンのマスタークラスで私が感じたことのブログ記事をアップしました。
明るさと暗さ:開と閉

この記事の中でこう書きました。
マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて!」と言ったりします。つまり「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に!」とか「明るく!」という感じで訳しわけたりします。
 

音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。

楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ…硬質な音色で音量を小さく…というふうに表現することも可能です。

このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。また、そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。




では、「音楽表現を考えるためのヒント2」へ続きます!

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

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感動を分析し、言葉にして伝える(教えるということ)

3月も終盤です。桜も咲いてきました。今週末には花見もピークかなあ?…という時期ですね。

この時期は学生さんが進級したり、卒業したり。お務めの方は転勤や転居などもあり、レッスンをやむなく辞めざるを得ないという「別れの時期」でもあります。

同時に新生活をスタートする人も多いので、当教室へのレッスン問い合わせも増えてきました。


ここ十年ほどずっと50名程度の生徒さんをレギュラーでレッスンしています。世代的に多いのは30代〜40代でしょうか。いずれにしても仕事もプライベートも忙しい年齢層の方が多いですね。その世代の方が「レッスンを継続できるように」教授方針をたててきたような気がします。

もちろん、小学生〜高校生の学生さんたちも多忙です。塾や他の習い事…最近の子は忙しいですからね。その子達にも同様に方針をたててレッスンしています。


とはいっても、「何を教えるか」という点ではどの生徒さんたちにも同じ態度をとっています。それは「音楽の素晴らしさ(エネルギー)」を伝えるということです。


私自身、若い頃から音楽からエネルギーをたくさん貰ってきました。よい録音や生の演奏を聴いた時、心から感動します。日常生活の些末な悩みなんてどこへやら…そういう人生を送ってきてしまいました。

音楽を真剣に勉強しようと思った時にまっさきに思ったのは、その感動させるエネルギーの正体が明らかにすることでした。だから、若い頃、自分が「人生に一番感動したクラシックギターの音」を出していたホセ・ルイス・ゴンサレス先生のもとへ習いに行きました。抽象的であった「感動」の正体がちょっと具体的になりました(もちろん、その正体を今でも探求中ですが)。


その他、自分が「いいなあ!」と思う音や音楽について分析し続けています。そして、現在生徒さんを教えるときに、この分析したものを「普遍的な言葉で伝える」ということを常に心がけています。


もちろん「伝える」だけでなく、その生徒さんに「理解してもらう」&「自分でもその感動を表現してもらう」ということも大切です。なので、どのように教えるか?…という点についても10年以上研究しつづけていました。


感動というのは抽象的です。その抽象的なものを言葉で説明すること、そして生徒さんに「わかってもらうこと」はとても難しいのです。あれこれ工夫して導いて行くしかありません。教え導くテクニックもたくさん使います(この技術はここ5年で格段に進歩したかも!)。


たまに生徒さんが僕の感動のポイントを分かってくれて、「先生だったら、こういうふうに弾くんでしょ?…僕もこんなふうにこのフレーズを表現したいんですよね!」と言ってくれる時があります。いわば、感動の共有ですね。こういうレッスンができると、音楽って本当にコミュニケーションなんだな、と思います。


そういう意味で一回一回のレッスンについて毎回真剣にとりくんでいます(当たり前のことですが)。生徒さんひとりひとりの設計図をきちんと建てるようにして、そこから毎回何を学んでもらうかを(こっそりと)計画してレッスンをしていっています。何故、こっそりか?…それはこのブログ記事あたりを読んでください。ここが教師の腕の見せ所なのです!


ということで、3月は別れの季節ではありますが、また新しい生徒さんと出会えるのを楽しみにしています。


体験レッスンはお気軽にお申し込みください。ここのフォームに書いてあることは営業トークではありません。ほんとに「クラシックギターを本気で学びたい人にはその真髄を分かってもらいたい!」と常に思いながらレッスンしています。

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大学卒業の年齢〜40代の方へ

当教室の生徒さんは、学生さんも多いですが、メインは20代後半くらいから30代〜40代くらいの方です。
大学生は通常卒業と同時に「仕事に専念するため(慣れるため?)」辞めて行きます。就職活動がスタートするとともに辞める人がほとんどですね。その中でも1割くらいの方は、なんとか就職活動中でも、通い続けてくれています。まずはそのような人が残ってくれます。
20代か30代くらいでギターを習い始める人も多いです。

当教室の人口分布は30代が一番多い結果となっています。仕事上では一番忙しい時期かもしれませんね。逆にいうと、他のギター教室では、どちらかというと若い子(中学生から大学生)もしくは50代〜60代が中心ということのほうが多いような気がします。

ギター連盟主催のギターコンペティションも全世代をターゲットにしたイベントですが、やはり20代後半から30代あたりの層が極めて少ないですし、ギターの技術上、表現上においても、煮え切らない(?)感じの演奏であると感じます。

一般的には、30代あたりでギターを習ったりする事はなかなか時間的にも精神的にも難しいのでしょうねえ。。。

とはいえ、我が教室はこの30代前後の世代が凄いがんばってくれています。先日、当教室の生徒さんで結成されているリオリコギターアンサンブルが合奏フェスティバルに出演しましたが、なかなか好評だったようです。

リオリコギターアンサンブルのブログ

ギター教室としては、なんとか30代前後のギター学習者を継続させること…が課題となってくるでしょうね。もちろん楽器は何歳からでもスタートすることができますが、ある程度の人生経験と柔軟性という意味において、30代前後の方こそ「今後の(アマチュア)音楽界の礎」となっていく可能性を秘めています。これは当教室だけの課題ではなく、ギター界全体の課題であると私は考えています。

…とあれこれ書きましたが、当教室は年齢問わず生徒はとっておりますので、4歳の方も、60代、70代の方も是非、お越し下さい!

…そして、ばりばりの社会人の方も、いつでもどうぞ!

富川勝智

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「やれないこと」と「やらないこと」の違い

レッスンをしていて、夏前から考えたことを書きます。

「やれない」と「やってこない」は別物…という話です。レッスンの話ですね。
 

生徒さんのなかには仕事で多忙な方、学業で忙しい方など様々です。それでもギターが弾いてみたい!、ギターが上手になりたい!、ギターで憧れの曲を弾いてみたい!…という目的があってレッスンに通ってくるわけです。だから、どんなに忙しい方でも少しは「時間をとって練習するだろう」という前提でこちらはレッスンをします。

教える際にもっとも注意している点は「生徒さんがやれないことは宿題にださない」ということです。

さてここで言う「やれないこと」とはなんでしょうね?

例えば、僕がある曲の部分を指定して「じゃあ、次回までこの部分をスムーズに弾けるようにしてきてね!」と言ったとします。この部分をクリアするための技術的な問題をわかっているだろうとこちらが判断した場合は、上記の台詞をそのまま言うかもしれません。
しかし、その技術的(場合によっては音楽的)な問題をクリアできない、問題の解決方法をしらない生徒さんの場合は…その場で解決方法を「見つける」しかありません。
このあたりはティーチングとコーチングを使い分けます。知識として知る、そして理解する(応用できる)は別ものですから。もしある技術箇所の解決方法を知らなければ、それを知るしかありません。だから教えます。
もしその生徒さんが知識として知っているにも関わらず、その技術箇所で知識を応用できないのであれば、コーチングを使って導いていくしかありません。本人に「発見!」してもらうように導いていきます。あえてヒントしか教えない場合もあります。 つまり「じゃあ、来週までここをなめらかに弾いてきてね!」というひと言で済ませてしまう場合もあるということですね(なので、レッスンというのは実は長短は実は関係ないのです)。

さて、話を「やれないこと」と「やってこないこと」に戻しますね。

「やれないこと」をレッスンで「やれること」にします。その場で確認する場合、つまり生徒さんが「あ!こういう方法で弾けるようになるんだ!」というふうに導いていく方法がメインですが、上記で書いたように本人の知識の中に解決手段があるとこちらが判断した場合は「やってきてね!」のひとことで宿題にする場合があります。
問題は、そのようにしたのにも関わらず「やってこない」人がいることです。社会人などの場合、忙しいと思うので、問題箇所の解決はレッスンの時間内でやることが多いです。一カ所5分くらい正しいプロセスで練習すれば大概の問題箇所は道筋が見えてくるものです。あとは家での練習で同化すればいいだけです。その問題箇所の解決法をもう一度思い出しトレースしてみるだけで脳みそは覚えてくれますから。あとは本人の記憶と忘却との戦いです。

前のレッスンのときに「やれない」から「やれる」という風に同意した箇所を次のレッスンのときに本人ひとりでも「やれる!」というふうにするのがレッスンの正しいプロセスですよね。「やれる」と同意したはずなのに、その方法を忘却したりするひとがとても多いのが現実ですね。まあ、レッスンに来てくれる限り付き合いますけど、死ぬまで。

とりあえず、ギターを学習している方は自分が弾けない箇所を「やれない(解決方法を知らない)」のか「やっていないのか?(解決方法を知っているけど、それを同化していない)」のか…しっかりと区別しましょう。それだけでレッスンの充実度が何パーセントが違いますよ!

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