ギターレッスンと演奏の日記 from 富川ギター教室

クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。

解釈

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表現力アップの秘訣!〜ヒントから実践へ!

明後日の2月15日に、「表現力アップの秘訣!」という講義を行います。
詳細→日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣!」

いままで、いろいろな人にレッスンをしてきました。表現について以下のように考えている方がとても多い…。(こまったこまった)

1:「なんとなく」勘で、表現をつけている。
2:CDやYouTubeなどで演奏を聴いて「真似」をする。
3:表現は先生が教えてくれると思っている。

1について:ある程度、音楽をやっていれば、こんな感じだろうなあ…という「あたり」はつきます。ただし、そこに理由付けができなければ、ずっともやもやしたままになります。もしそのときの自分の勘に理由付けができれば、他の楽曲の解釈にもつかえるルールが発見できるかもしれません。

2について:「真似する」ことは決して悪いことではありません。自分が聴いた演奏やCDで「これいいなあ!」という表現をストックしていくことは、自分の趣味や嗜好を確認する意味ではとてもよいことです。しかし、もう一歩踏み込みたい。その奏者がどのようにしてその表現に辿り着いたか…考えてみる。そうすることによって、楽曲の新しい解釈が見つかることがあります。

3について:多くの人がこういう心構えでいます。レッスンを受け始めた最初はこれでよいのかもしれません。ですが、先生が教えてくれた表現をそのまま受け取っているだけでは「自分で表現を見つけていく」思考回路はできてきません。先生から習った曲しかきちんと弾けない…という方が多いですが、それは困りものです。
「どうして先生はこのように考えたのだろう?」と考えること。そして、良い先生は理由を教えてくれます。そして、自分でも理由を考える姿勢を身につけましょう。

以上のことを踏まえて、音楽表現を考えるヒントというのを5回に渡って連載しました。

音楽表現を考えるためのヒント1
音楽表現を考えるためのヒント2
音楽表現を考えるためのヒント3
音楽表現を考えるためのヒント4
音楽表現を考えるためのヒント5

レッスンを通じて、そして自分で多くのことを勉強することによって、「西洋音楽のルール」を見つけていってほしい。そして、自分で音楽を解釈する喜びを感じてほしいという思いで書きました。

「どこからどうやって考えていったらいいのだろう?」「どこから勉強していったらいいの?」という人が多いのです。だから、勘や他人の演奏のコピーをしてしまう。そして、「それなりに」うまく聞こえれば満足してしまう。どういう手順で楽曲を分析していったらよいかが道筋がわかれば、自分で表現を考えていく思考回路がじょじょにできてきます。

日曜ワークショップの「表現力アップの秘訣!」では、どこから攻めていったらよいか?…から説明します。音楽表現を自分で考えていきたいなあ!と思っている方は是非参加してください。

「魚を与えるのではなく、魚の捕り方を教えよ!」という諺があります。とても好きな言葉です。良い先生の条件でもありますが、私は音楽表現に関して「魚の捕り方」を教えたいなあと思っています。

まずは簡単に「表現」についてみなさんに考えてもらいます。

その後、実際の楽曲で演習します。考え方がわかったら実践あるのみ!

以下の曲を予定しています。
タレガのアデリータ
Tarrega_-_Adelita





ソルの小品
35-14


ソルのエチュード
セゴソル1




もし、お時間ある方は上記をちょっと練習しておくとよいかもしれません。
 

ということで、表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣!」に参加ください! 
詳細はこちら! 

 

音楽表現を考えるためのヒント1

表現力っていうのはなんでしょうか?

これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。

当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。

当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る…それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか?」と訊いてくることがあります。

勉強すればできるよ〜!とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。

今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回!

まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか?…これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。とはいっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。

では、ストーリーとは何か?…はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。つまり「変化」=ストーリーというわけです。

音楽では、それを「音楽の三要素」(旋律、和声、リズム)を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」(シンフォニア刊)があります。

演奏の原理
大阪村上楽器
2006-04-21


この本から多くのことを学ぶことができます。基本的な概念はシンプルです。

動的であるか静的であるか?…これが変化を作る要素ということです。テンポの速い遅い、音量の変化、アーティキュレーション、etc...いずれの要素も動的であるか静的であるかという区別がつけられます。

音色についても動的であるか静的であるかということがあります。面白いのはこのような区別がつけられると、音量の変化や表情記号の知識などと組み合わせると、様々な表現のバリエーションが得られるということです。

以前、スペインの女流ギタリストであるマリア・エステル・グスマンのマスタークラスで私が感じたことのブログ記事をアップしました。
明るさと暗さ:開と閉

この記事の中でこう書きました。
マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて!」と言ったりします。つまり「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に!」とか「明るく!」という感じで訳しわけたりします。
 

音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。

楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ…硬質な音色で音量を小さく…というふうに表現することも可能です。

このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。また、そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。




では、「音楽表現を考えるためのヒント2」へ続きます!

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣!」に参加ください! 
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レッスン覚書ミニ〜2010年6月22日〜25日

  1. やっぱりアポヤンドはきちんとできないとダメですね。指のアクションを明確に・・・というよりは関節の動きを正確に把握するために基本ではある。それから音色的な要素を考慮すべきではある。
  2. マルボロー変奏。ソル。モチーフが見えてないと、この変奏曲の面白さは分からない。そういえば、湯布院の講習会でもこの曲をもってきた生徒さんがいたなあ。それさえ分かれば「はぐらかし」や「暗示」など一杯つかっていて、興味の尽きない音楽であることが分かる。
  3. ミラン、パヴァーヌ。和音をばらすところ、ばらさないところに「理由をつける」。感覚でやってもいいけれども、どのような場合にばらすのか?・・・しっかりと考えるべし。ある程度のルールはあるが、全部ばらすよりも、全部ばらさないほうがすっきりと聴こえるのは事実。同じ曲の録音を聞き比べて、まねしてみるのもひとつの手ではあるが、その場合も理由を想像してみること!
  4. 先日の月イチのテクニック講座でも説明したが、CMC関節の可動は重要。特に薬指。弾弦の際の「ふりぬき」はこの関節の動きを意識すると思っているよりもスムーズにいく!
  5. スラーの練習は上行であろうが、下降であろうが、まずは押弦と同じフォームと動作にて行なうこと。その「かたち」と正確な関節のコントロールを身につけてから「音を鳴らそう」と意識したほうがうまくいく場合が多い。それから下降において「ちょっと弦をひっかける」感覚を付け加えていくとよい。
  6. 音楽理論を学ばねば・・・という切迫感に襲われるよりも、まずは今やっているエチュードなどで自分の知識を最大限に生かして解釈してみることが大切。まったく知識ゼロでも、こちらがいうことやアイデアを蓄積していこう。レッスンでは私は「音楽理論をもとに」解釈を教えることを原則としているのだから・・・。それを練習せずに(真似しようともせず)『理論を勉強しないとダメだと思うんです!』というのでは、意味がない!知識の整理はあとですることだ。そして音楽理論書には音楽解釈のための方法論は書いていないといってよい!・・・このことを覚えておくべし!
  7. バスの音量で全体のダイナミクスをコントロールすることを覚えよう。そのためにはまずは「聴くこと」。声部をとりだしてまずは歌う!それから、バスの音量の変化に注意を払う。
  8. ゆっくりとしたメロディーの場合、特に共鳴に意識を払うこと。共鳴がある音、ない音に注意を払えば、「きれやすいところ」とそうでないところは自然にわかってくる。これも「耳のトレーニング」である。倍音のコントロールともいう。
  9. 初めての曲。まずは部分を弾けるようにする。それから左手の運指で共通の弦、共通の指を使う部分を集中してさらってみる。
  10. pとaだけでトレモロの曲を弾く。まずはpの動きに集中。曲全体の流れを掴むだけでもいいのでやってみること。それと同時に開放弦でよいので、トレモロの練習をやっておく。曲を弾く楽しみとテクニック練習をわけてやっておくのが良い。
  11. ビラロボス。プレリュード4番。中間部のアルペジオ部分はまずはバスから解釈していくと分かりやすい。この曲の場合はバスというよりはメロディーともいってもいいので。基本的に「ミにたどり着きたい」という部分であるので、それを心の片隅に意識して解釈すべし。あとは順次進行か否か?…2音のペアを考えることで、だいぶ旋律の方向性は見えてくる。
  12. ビラロボス、プレリュード5番。運指の模範解答編としてジガンテ編があるが、一生懸命「白文」で楽譜どおり弾けるか?否か?・・・検証しながら運指をふろう!
  13. 楽譜の知識は大切。プジョール3つのスペイン風小品。一曲目のトナディージャはもともと「マノラ・デル・アパピエス」というタイトルでリコルディ・アメリカーナから出版されていたもの。中間部が若干長くなっており、それがあったほうが全体のバランスが優れている。プジョール門下では、この版で弾いている人が多い。
  14. やはり、プジョール作品の演奏に関しては、アルベルト・ポンセが非常に感性豊かな解釈を披露していることを知っておいたほうが良い。
  15. 学校や会社、実生活と切り離した部分で「レッスンの時間」を考えている。それはまったく別の時間の流れがあり、学校や会社でなにかあっても、その時間だけは「音楽の時間」であるということに価値がある。
  16. モンポウ、コンポステラ。ヘミオラを見つけるべし。
  17. クラシックギターで「現代曲」と、クラシック全般の「現代曲」の内容はずいぶんと違う。そのことを理解していない人が多すぎる。ブローウェルで現代曲というには、他の世界の現代曲はもっと進んでいる。そのことを理解したうえで、レパートリーへの理解を深めていかねばならないし、ギターの「現代曲」を捜し求めねばならない。
  18. とにかく、弾弦動作の前に、指は弦の向こう側にいなくてはダメなんですわ。


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記憶と演奏(予測と裏切り)

さて、記憶と演奏(予測と裏切り)の第3回です。

昨日のブログでは下記の本を紹介しました。

演奏法の基礎―レッスンに役立つ楽譜の読み方

認知心理学的なアプローチで演奏解釈というものを考えようという本です。具体的にいうと第4章がその解説に割かれています。

私のレッスンを受ける人は、是非読んでおいて欲しいなあ、と思う本です。

(もちろん、私のレッスンを受けていない人でも役には立ちますよ!)

さて、パターンと裏切り…というテーマでもうちょっと文章を書いてみましょう。

一般的にパターンというものを徹底して用いているものとして、ぱっと思いつくのがやはりポピュラー音楽ですね。

ボサノバとか、ロックとか、ブルーズとか…やはりリズムそのものに「定番のパターン」があるわけです。

実は私は、そういうのを研究するのが大好きなのです!!(別に声を大にしていわなくてもいのですが…)

 

なので、簡単に実際の例を出していきましょう。(てきとーな箇条書きです)

  1. 何故YMOで細野晴臣がベースラインをシンセサイザーで指弾きしているのか?
  2. ロックという分野でも、「プログレ」という分野のリズムに変拍子が多い理由
  3. スタジオミュージシャンがやるブルーズが何故か眠くなるのは何故だろう?(上手いはずなのに)。昔の地元のおっさんたちがやるブルーズが眠くならないのは何故だろう?(ギターのピッチもあってないし、合ってないところ一杯…正直言えば下手なのに)。
  4. (私の実体験)昔某営業仕事でボサノバ演奏のBGM仕事をしたとき、ギターのリズムを聴いていたらどんどん眠くなっていって“ある種のトランス状態”になった。もちろんきちんと演奏はしましたが…。

ぱっと思いつくだけでも、そして最近の例でも上記のようなことを生徒とレッスンで話し合いました。それらはすべて上記の「パターンと裏切り」理論(?)で説明することが可能でした。

もちろん、それらのことをクラシック音楽の解釈の問題点として話すことができます。(当たり前ですが、私はクラシック音楽の専門家です!)

 

…という上記のようなことをブログ記事に書くのに、用いているBGMは「ブラックサバス」だったりします。

やはりギーザー・バトラーのベースにも、なんともいないグルーヴがあります。でも基本は8分音符です。これを「パルスの均質化」といいます。

これが、非常に文章を書くのに、心地よい進行感を与えます。でも、ギーザー・バトラーのグルーヴ感がなければ、とげとげしいです。楽しい気分でかけません。純粋なテクノ(グルーヴ感なし)のものを文章を書くためのBGMにはできません。ベートーベンの交響曲もBGMにはできません。そしてソルの音楽も。

何故かというとベートーベンとかソルの音楽を聴くと「分析」してしまうからです。記憶を使わなければいけません。身体だけでは対応できない音楽だからです。

ちなみに今聴いているBGMはこれ。

Heaven and Hell

ロック&音楽に詳しい人は、何故私がBGMにこのアルバムを選ぶか分かるかもしれません。

…これについては上記にヒントは書いておきましたので、是非みなさん考えてみてください。

なんどいうようですが、このブログ、クラシック音楽家が書いているブログです。私のなかではブラックサバスもソルも同じように「素晴らしい音楽家」であるのです。

という感じ、なんだか、テキトーな締めくくりとなってしまいましたが、なんとなくお分かりいただけたでしょうか?

 

わからない?…まあ、いいです。

是非、レッスンにお越し下さい。「なんとなく」分かるようにはしてあげます。

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記憶と演奏(予測と裏切り)

最近、レッスンでよく言っていること、もしくは多くのアマチュアの方の演奏を聴いていて思うこと…それをテーマにちょっとしたブログ講座を行ないます。(だいたい3回くらいで終わるかなあ?…まあ、わかりませんが、ノンビリお読み下さい!)

音楽というのは繰り返されるパターンが基本にあります。

分かりやすいのは「ロック」ですね。だいたいがエイトビート…リズムの反復に安定感があります。そして、それが裏切られるとき、大抵Bメロがきたり、サビが来たりします。

ただし、それがイントロ、Aメロ、Bメロ、サビ…と定型化されていくについて、それは「懐メロ」となっていくのですね。現在のロックはファンクや民族音楽、ラップ、サンプリングなどの新しい要素が盛り込まれていることが多いです。なので、60年代、70年代のロックに馴染んでしまった世代には、現在のロックは「ロックではない!」と思う人も多いはず。

 

さて、ここで、何を話したいかというと、音楽は全てパターンを認識した上で、それを「裏切る」要素を加えることで、絶妙な緊張感をかもし出しているということです。

一定のパターン…それは拍節感であったり、リズムのパターンであったりします。もしくはメロディーのパターンであったり…そして、そのパターンを聴き手は予測しながら聴いていくわけです。それは人間が記憶する動物だからです。

たとえば、ラララー…(一応ドレミで読んでみてください)というメロディーがあったとしましょう。それが2回繰り返される。

ラララー、ラララー

そうすると、聴き手はもう一度「ラララー」が来るんじゃないかなあ?と予測します。しかし、次にくるのが「ララソミー」と違うメロディーがくるわけです。「あれ?何か違うことが起こりそうだなあ…」と聴いている人は思う。

実はそれができるのは、過去に聞いた「ラララー、ラララー」を記憶しているからできるわけです。そして更に頭を使う人は、共通の要素「ララ」になにか意味があるんじゃないかなあ、って思うわけですね。

上記のように音楽というものを聴くとき、人は記憶をたよりに過去と現在進行形で展開されている音を結び付けて聞いているわけです。

そして、演奏家はそれらのことを「認知されやすい」ように表現していかねばなりません。更にいうと演奏家自身もまた、その音楽がその場で初めて誕生していくかのような「感動」をもって演奏しなくてはなりません。自分自身で、パターンと「パターンの裏切り」に「おお!そうくるか!」とか思いながら演奏しなくてはいけないのです。

もちろん、それは舞台の上で行なうべき作業であるわけですが。

譜面を読んでいるときに、演奏家は楽曲の中のそのようなパターンや裏切り、そしてそれらの要素が自身にあたえる「感情」を徹底的に分析し、それを聴衆にわかりやすいように表現するわけです。そしてそれらを表現しながらも、その感動を再体験しながら演奏するわけですね。単純に「与える側」として偉そうにしていては駄目!というわけです。

なによりも演奏というのは音楽を通じて何らかの感情(思想やイメージでもいいのですが)を聴衆と演奏家とか共有することが大切です。でかいことをいいますが、それが「人類愛」につながっていきます。音楽という媒介によって、「ああ、今ここにいる人は同じ感情を共有しているのだなあ…同じことを考えているんだなあ」と思えることが大切なのです。

 

私は通常のレッスンでも、上記のようなことを生徒に教えています。それはやはり「演奏すること」の意義を知ってほしいからです。

だから、自分がその作品の分析をできないで、感情は共有できるわけはありません。なので、生徒さんにはフレーズやモチーフなどは徹底して分析してほしいわけです。最初は段階的に…。やはり簡単なエチュードなどで分析する癖をつけるといいのですね。

そういう意味で、やはりギター作品のなかでは、ソルのエチュードや小品などは格好の教育的作品であるといえます。そして、そういう音楽の根源的な要素である「パターンと裏切り」が明確に示されている点において、ソルは天才的であると(やっと)最近分かってきました。

(余談)

ソルといえば、最近現代ギターがかつて出していた増刊号「ソル〜エチュードのすべて」(名著!)の焼き直し+増補改訂版がでましたね。

現代ギター 2009年04月臨時増刊号 ソル 練習曲と教則本全訳(準拠CD付)
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上記本はかつて出ていた(約20年前?)ものの増補版です。今回はCDもついて、お得です。

そして、何よりもソル教則本の全訳がとっても貴重!!

私も今回じっくりと読みましたが(英語では読んだことがあったのですが…)、ソル作品を演奏するヒントを又いくつか発見いたしました。

全ギタリスト必携です。

現代ギターのサイトもご覧下さい。

詳しい内容はこちら!

 

 

さてさて、上記の「記憶と演奏」記事の続きは…また次回!!

 

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