音楽表現を考えるためのヒント３

表現力っていうのはなんでしょうか？そしてどのように学ぶべきなのか？ということをテーマに連載しております。

以前の記事はこちらです。
音楽表現を考えるためのヒント１
音楽表現を考えるためのヒント２

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第三回！

音楽の三要素とはなんでしょうか？…旋律、和声、リズム。前回は旋律について話しましたので、今回は、和声についてお話ししてみたいと思います。和声を学ぶ上で参考になる著作をご紹介します。

和音をどのような関係でつなげていくかが「和声学」と言えます。関係っていうのはなんでしょうね？…簡単にいってしまえば「緊張と緩和」の世界を表します。緊張度の高い和音から、ちょっとだけ緊張度がある和音、安定感のある和音、ちょっとだけ安定している感じの和音…いろいろと組み合わせていくわけです。

それで、変化をつけていって、ストーリーを作る。

どうやって学んでいけばよいのか？…これがなかなか難しい。音程の知識や音階の知識を知らなければなりません…つまり基本的な楽典の知識は必要となってきます。
 
楽譜屋さんに行っても、「和声学」の本…堅苦しいのしかないや〜、という方も多い。なので、ポピュラー系のコード理論書からはいるのが良いかもしれません。

例えばこの本。

実践コード・ワークComplete 理論編 [単行本]

篠田 元一

リットーミュージック

2005-01

 

この篠田元一さんの著作は、私が大学生の頃からありました。実際に私は大学の行き帰りの電車で毎日読んでいました。キーボードのために書かれた本ですが、脳内でギターで変換し、音のイメージを想像し、家に帰ってから実際に音を確認するという作業を繰り返しました。

クラシックの和声ではなく、コードから学んだ方が「和音の関係性」自体はすんなりと入ってくるかもしれません。コードの種類それぞれにキャラクターがあると想像できれば、クラシック的な和声にも抵抗なく入っていけると思います。

キャラクターといえば、こんな本も最近読んで「へえ、面白いアプローチだなあ」と思いました。気楽に和声の感覚をつかみたいという方にはオススメの入門書です。

キャラ和声 -和音記号の擬人化でもう丸暗記とはサヨナラ!- [単行本（ソフトカバー）]

水上 浩介

全音楽譜出版社

2014-07-15

ざっくりというと、和音っていうのはそれぞれにキャラクターがあるわけです。やわらかい性格とか、頑固そうな性格とか、きもい感じとか…

そういうアプローチで和声学を扱ったのが上記の本です。「こんな和声学ってアリ！？」と書いてありますが、本来和声学というのは、音楽の「変化」を作っていくものであるので、そういうものなのです。

そこから、クラシック的な和声学については、たくさんの名著がありますので、各自調べていただけるとよいと思います。ただし、ほとんどの本はギターのために書かれた本でないため、親しみにくいと思います。クラシックギターのために書かれた和声学の本は極めて少ないのです。

さて、クラシックギターのために書かれた和声学の本といえば…

かつては以下の本がオススメでしたが、現在は絶版。
１：ヒルベルト・ノービス/佐々木忠共著の「新しいギター和声学」。
２：Robert Lilienfeld&Basil Cimeno "The Guitarst's Harmony"



 















 

















１のほうは、実際に音を出しながら、和音の使われ方を「耳で確認する」という方針で書かれています。ルネッサンスや古典のギター楽曲を使いながら、勉強できるので、へえ〜、こういう感じなのかあ！と勉強できます。

２のほうは、洋書ですが、いままでみたギター和声学の本で一番優れた本だと思います。実際に私の個人レッスンでは、この内容にのっとって、ギター和声学を学びたい方には教えることが多いのです。
✳︎もし、この本の内容で学びたい方がいたら、個人的にご連絡ください。個人レッスンでギター和声学を伝授可能です！

さて、日本ギター連盟でも二ヶ月に1回、ギター史と和声学のワークショップを行っています。

こんな感じ↓










和声学は以下の本を中心に、音程や非和声音の発見の仕方など丁寧に丁寧に講義を行っています。

楽典―理論と実習 [単行本]

石桁 真礼生

音楽之友社

1998-12-10

もう数年に渡って行っている「ギター史と和声のワークショップ」ですが、毎回出ている方は着実に和声感（そして、ギター史観）を身につけています。

ギター史と和声のワークショップ

3月15日の回で４クール目がとりあえずの終了となりますが、引き続き７月以降も行っていく予定です。ぜひご出席ください。初めての方でも大丈夫です。

クラシックギターでの和声はなかなか独学では習得が難しいので、上記のワークショップで学ぶか、もしくは私の教室でお問い合わせください。個々人に合わせた「和声学のレッスン」を行います。

では、「音楽表現を考えるためのヒント４」へ続きます！

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！ 
→詳細はこちら！ 

音楽表現を考えるためのヒント２

表現力っていうのはなんでしょうか？そしてどのように学ぶべきなのか？ということをテーマに連載しております。

前回は、音楽の三要素を使って、「音楽でストーリー（ドラマ）を作るためのヒント」をお話ししました。
音楽表現を考えるためのヒント１

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第二回！

音楽の三要素とはなんでしょうか？
旋律、和声、リズムです。

今回はこの３つのうち、旋律についてお話ししてみたいと思います。西洋音楽において旋律はどのように作られるでしょうか？何か元になるものはないのかな？…どう思いますか？

作曲家たちはどのようにして旋律を作っているのでしょうか？…インスピレーション？霊感？

こう考えてしまうと…なんだか正体不明ですね。ミスティックなもので、我々凡人には理解しがたいものになってしまう。

なので、もう少しシンプルに考えましょう。基本になっているものは「音階」です。西洋音楽であれば、基本的に「音階」でメロディーが作られているわけです。

音階にはどのような要素があるのか？…まずはそのあたりを勉強していくとよいと思います。音階にはどのような種類があるのか？…「楽典」の知識が必要です。

楽典は世の中にたくさんの種類がありますから、書店などで「あ、これなら分かりやすいかな？」というのを見つけてみるとよいでしょう。

順次進行、跳躍進行、協和音程、不協和音程…メロディーの「変化」を表すためには以上のような要素が用いられます。

それぞれに、緊張感、親和感、安定感、不安感、意外感、などなど...いろいろな印象がありますね。その印象をうまく使って音楽は「変化」を表しているのです。

簡単に言うと、まずは「実際に声にだして歌ってみる！」ことが大切。

音程を感じながら歌ってみる。音程それぞれに「印象」があります。それを整理していくしかありません。

そして、旋律というのは和声やリズムとの兼ね合いでいろいろと変化します。そのあたりの「感じ」をつかみたいなあ…というのであれば、以下の本がオススメです。

演奏のための楽曲分析法 [単行本]

熊田為宏

音楽之友社

1999-07-01

音の高低による緊張度の違いや、順次進行、跳躍進行による感じの違い。非和声音に扱い方など、具体的な楽曲とともの紹介してあります。もちろん、ある程度の基礎的な「楽典の知識」（調性や音程など）は必要ですが、読み進めていけば「こういうことを作曲家は考えて、自分のイメージを旋律に託しているんだな！」というのがおぼろげながらも分かってきます。

いずれにしても、メロディーは和声とともにあって意味をなしてきます。非和声音についての知識が必要となってきます。「非和声音」というくらいですから、「和声の音にあらず」です。なので、和声がわからないと理解しづらいですね。

旋律を解釈する場合には非和声音を見つけることからスタートするとよいかもしれません。

さて、メロディーはただ適当に音階を上がったり下がったりしているものなのでしょうか？…いいえ、違います。良いメロディーには発想の元になっているものがあります。それを「モチーフ」といったりします。

モチーフを元に作曲家は、変形させたりして、楽曲全体の統一した印象を作っていきます。

このモチーフについては以下の本がとても参考になります。

作曲の基礎技法 [単行本]

アルノルト・シェーンベルク

音楽之友社

1998-12-10

ベートーヴェンの楽曲を中心に「モチーフ」をどのように展開させていくのかを分析しています。冒頭部分を読むだけでもヒントがたくさん得られます。作曲家がモチーフをどのように展開させているのかなあ？と自分がやっている楽曲の中で意識が向くようになると、旋律の扱い方がとても丁寧になります。

さて、非和声音やモチーフについて述べてきましたが、旋律について意識を働かせるためには「秘伝」があります。

それは…自分でメロディーを作ってみることです！そのための参考書としては、以下の本がとても参考になります。ポピュラー音楽のため・・・と銘打っていますが、段階的に書かれています。この本を読めば、作曲家が「あてずっぽうに」旋律を書いているわけではないのだ！…とわかるはず（霊感…などという曖昧な言葉では美しくロジカルな旋律は生まれないのです！）。

ポピュラー音楽作曲のための旋律法 聴く人の心に響くメロディラインの作り方 (DVD付) [単行本]

高山 博

リットーミュージック

2012-07-25

以上、旋律について、どのように勉強していったらいいのか？…を参考書を中心に説明してきました。

旋律にもリズムがありますので、そのあたりも注意して…と書き始めると無限に終わらなくなりますので、このあたりで。

とりあえずのまとめとしては「歌ってみる」「メロディーを作っている人の気持ちになって分析する」「自分でもメロディーを作ってみる」という作業をしてみると、旋律を分析する感覚が養われてきます。

では、「音楽表現を考えるためのヒント３」へ続きます！

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！ 
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音楽表現を考えるためのヒント１

表現力っていうのはなんでしょうか？

これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。

当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。

当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る…それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか？」と訊いてくることがあります。

勉強すればできるよ〜！とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。

今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回！

まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか？…これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。とはいっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。

では、ストーリーとは何か？…はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。つまり「変化」＝ストーリーというわけです。

音楽では、それを「音楽の三要素」（旋律、和声、リズム）を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」（シンフォニア刊）があります。

演奏の原理 [単行本]

大阪村上楽器

2006-04-21

この本から多くのことを学ぶことができます。基本的な概念はシンプルです。

動的であるか静的であるか？…これが変化を作る要素ということです。テンポの速い遅い、音量の変化、アーティキュレーション、etc...いずれの要素も動的であるか静的であるかという区別がつけられます。

音色についても動的であるか静的であるかということがあります。面白いのはこのような区別がつけられると、音量の変化や表情記号の知識などと組み合わせると、様々な表現のバリエーションが得られるということです。

以前、スペインの女流ギタリストであるマリア・エステル・グスマンのマスタークラスで私が感じたことのブログ記事をアップしました。
明るさと暗さ：開と閉

この記事の中でこう書きました。

マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて！」と言ったりします。つまり「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に！」とか「明るく！」という感じで訳しわけたりします。

 

音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。

楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ…硬質な音色で音量を小さく…というふうに表現することも可能です。

このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。また、そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。

よい演奏をするために 私の演奏体験の中の「演奏の原理」 [単行本（ソフトカバー）]

吉田 雅夫

シンフォニア

2010-10-09

では、「音楽表現を考えるためのヒント２」へ続きます！

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！ 
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爪やすり・・・やっぱり資生堂が一番！

クラシックギターは右手の爪を用いて弾弦します。クラシックギタリストほど、爪ヤスリに関して、こだわっている人種はいないかもしれません。
主に２種類使います。
１：爪の形をおおまかに形成するもの（鉄ヤスリ）
２：爪の形の微調整＆磨きにつかうもの（紙やすり）

上記の２に関しては、ほとんどのクラシックギタリストがTAMIYAのものを使っていると思われます。そうです、あのプラモデルの「タミヤ」です！

たとえば、こちらの2000番は使い込めば、最終仕上げ用のものになります。新品であれば、最終磨き前用として使います。

ギタリストの間では、1000番、1500番、2000番あたりを使いわけている人が多いです。

このタミヤの紙やすりのよい点。数年使っても、目詰まりがなく、「あれ？まだちょっと削れるのね・・・」というくらい長持ちします。

さて、１に関してはなかなか定番というのがないのかなあ？…と思っていたのですが…実は身近にありました。近すぎて良さがわかっていなかったのかもしれません。

それが資生堂のネールファイル（NA501)。

資生堂 ネールファイルNA 501 [化粧品] [ヘルスケア&ケア用品] [ヘルスケア&ケア用品]

資生堂

 私がクラシックギターを始めたときに最初に買った爪ヤスリがこの資生堂のものでした（初代は紛失してしまいましたが・・・）。

クラシックギタリストとして「爪やすり（ネールファイル）」は、市販されているもののほとんどを試してきましたが…やっぱりこれが一番使いやすいし、長持ちしているなあ、というのが分かりました。

今使っているのは二代目。10年以上は使っています。





















「荒め」「細め」で裏表になっています。目詰まりもしにくく、しっかりと削れますが、スムーズです。形もとても形成しやすいのです。そして、丈夫！…一時期ガラス製のものを愛用していましたが、落として割ってしまったことがあります。

この資生堂のネールファイルはそういう心配はありません。

ということで、最近、予備を買い足しました！



 















みなさん、迷ったらこれです！

時間割と耳休め・・・そして留学中を思い出す

２月２８日に私の生徒さんたちで結成されているリオリコギターアンサンブルの定期演奏会があります。毎月一回練習しているのですが、午後だけの数時間ということがあり集中練習をしたいね！…ということだったので、２月１日都内某施設を丸一日借りて、朝から晩まで練習しました。

リオリコギターアンサンブルのブログはこちら。

こんな会場でおこないました。




 





写真、左で写っているのは留学から帰ったばかりの林祥太郎くんです。今回の集中練習から「指導担当」として活躍してもらいました。当教室講師である富川＆尾野、そして林くんでアンサンブルの指導を担当したわけです。

以下のような時間割で練習しました。

９：００〜９：１５　練習会場準備＆本日の練習スケジュール確認

✳︎P練習＝パート練習（尾野、富川、林がぐるぐるまわります。１０分ごと）

９：２０〜１０：００　チューニング＆山田P練習

１０：１０〜１０：５０　鎮魂歌P練習

１１：００〜１１：５０　スケッチP練習

１１：５０〜１３：００　お昼休憩（賢者＋光自主練習）

１３：００〜１３：４０　エスパニアP練習　

１３：５０〜１４：３０　テルプシコーレP練習

１４：４０〜１５：２０　リフレクションP練習

１５：２０〜１５：４０　休憩＆おやつ

１５：４０〜１６：４０　通し練習（チューニング＆山田＆鎮魂歌＆スケッチ）

１７：００〜１８：００　移動＆夕飯

１８：００〜１８：１５　練習会場準備

１８：２０〜１９：１０　通し練習（エスパニア＆テルプシコーレ＆リフレクション）

１９：２０〜１９：４０　やわらかな歌　練習

１９：５０〜２０：３０　全体通し練習

２０：３０〜　予備

まずは、４０分刻みでパート練習をしました。その中で３名の指導役が各パートを１０分ごとに回りながら細部のチェックを行いました。

昼食を挟んで、またパート練習。午後の締めくくりに演奏会の前半の通し。夕食を挟んで、後半の通し練習、そして全体の通し練習。

…このような感じで、なかなかハードなスケジュールではありましたが、練習は大成功だったと言えるでしょう。各パートの個人的な問題点なども解決することができましたし、曲の合わせの難所もはっきりとわかりました。

こういう全体練習をするときのポイントは「耳休め」の時間を必ず作ることです。

「耳休め＝楽器を弾かない時間」です。

これを取らないと耳が疲れ切ってしまいますし、集中力も途切れがちになります。もちろん、指も疲れ切ってしまいます。４０分刻みのスケジュールにしたのは、４０分間弾き切れる体力があれば、演奏会は乗り越えられます。その時間感覚を養うという意味もあります。そして、やはり「耳休み」の時間が必要だなあ、と。

よく学生さんのアンサンブルの練習などで、休憩中も曲の部分をさらっていたり、次に練習する曲の譜読みをしていたりする人がいますが、できるだけ休憩は休憩らしく過ごしたほうがいいのです。

今回のような丸一日練習の場合は特にそうです。耳を休めないと集中力が続かないのです。メンバーたちには休憩時間には「絶対に楽器を弾かない」というルールを守ってもらいました。

…この1日練習を終わったあと、帰途についているときに、「これは何かに似ているなあ？」と思いました。

そうだ、留学中の1日の過ごし方だ！…と。私は1996年〜2000年までスペインに留学していましたが、朝から４５分刻み＋１５分休憩で練習していたことを思い出しました。お昼は眺めに３時間ほど休憩をとって（もちろんシエスタもとって）、また夕方から４５分＋休憩１５分で練習していたなあ、と。

休憩時は、本を読んだり、寝転んだり。意図的に「耳休め」しました。スペイン留学に行ったきっかけとなった先生はホセ・ルイス・ゴンサレス先生でしたが、留学いった初回のレッスンで時間割を組んでくれたのです。以下のようなものでした。

（朝食）
８：３０ー１０：００
１０：３０−１２：００
１２：３０−１４：００
（お昼休憩）
１６：００ー１７：３０
（夕方の休憩）
１９：００ー２０：３０
２０：３０以降＝自由時間！

１時間半枠でとるのは、まさにリサイタルを想定した時間の区切り方ですね！この合間に５分か１０分の休憩を挟んでもよいと言われました。しかし、今見ると見事なくらいスペイン時間が組み込まれていますね〜　苦笑。ホセ・ルイス先生曰く、「休憩時間はバルにいってコーヒー飲んだり、散歩したりしろ！」と。

このタイムスケジュールをもとに、留学時は時間割を組みました。音楽院にいかなければならない日もありましたので、そのあたりを組み込んで曜日毎にスケジューリングしました。いずれにしても休憩はしっかりと、そして「休憩らしく！」過ごすことをずっと心がけました。

その後、バルセロナに移転してからは住んでいたところの裏手にバルセロナ映像ライブラリー（Filmoteca）というものがありましたので、そこによく通いました。名作映画が毎日上映されていました。それが学生だと一本１００円ちょっとで観れたのです。そこの上映スケジュールを見て、それも練習スケジュールに組み込んでいました。これも良い「耳休め」の時間でした。（もちろん、映画文化にも親しむことができました！）

ホセ・ルイス・ゴンサレス先生が教えてくれたのは、「時間割を組む」という考え方だったのですが、同時に「耳を休める大切さ」も教えてくれたのかもしれません。

そんなことを先日、生徒さんたちの丸一日練習をしてみて思い出しました。