「場」論〜勉強はやめられない！！

うーん、勉強の日々です。

今年からスタートした「月イチ」です。2ヶ月に一度、日曜午前に外部から講師を招いてレクチャーをしてもらっています。

今まで招いた講師の方は以下。

2月、藤井眞吾先生。

4月、永島志基先生。

6月、尾野薫先生。

2月。公開レッスンを通じて、音楽表現の基本アプローチと基礎テクニックの大切さを学びました。

4月。ビウェラ音楽の美しい世界とその歴史、そしてソルの音楽の多様性を学びました。

6月。ギターのメンテナンスについての講義でしたが…倍音の説明まで及びました。音色との関連については「おお！！」という目からウロコ…の内容。自分の耳が変わったと思います。

…という感じで続いてきました。何よりも企画した私自身が思うのは、「自分が勉強させてもらっているなあ」という感覚です。この人にこんなことをやってもらったら面白いかもなあ…からスタートして、それが結果として自分の勉強になってしまっている…ということです。

「自分で勉強したいものを自分で企画してしまう」という発想です。受講生も企画者も勉強したいものを勉強できる「場」を作ってしまう…ということです。

 

今年も安曇野においてギター講習会を開催しましたが、そこにおいても講師として来てくれた松岡滋さんや池田慎司君から多くのものを学びました。池田君には「ギター奏法の見直し」講座をやってもらうことになっていましたので、安曇野入りの前日には夜中まで、お互い研究しました。

実際、池田君が書いてきたテキストがあったので、それを読んでお互いに検証作業を行なったわけです。そこで多くのことに気づきました。現地での講習会のレクチャーでは、やはり「池田流」の教え方があって…そこからも多くのアイデアを貰いました！（サンキュー！…実際レッスンでも使わせてもらってます！！）。

…という感じで、生徒のための、そして広い視野にたってギターを学ぶ人に役にたつ「学びの場」を自分で作ることがとても大切だと気づきました。

結果として「自分の勉強する場を作っていること」だったのですね…私が企画していることって。いまさらながら、再認識しています（遅い？）。

 

ということで、私よりもギター界では後輩になりますが、来週23日の「月イチ」レクチャーには坂場圭介さんが講師として登場です。

坂場君がどのような講義をしてくれるか、とっても楽しみなのです。私も勉強させていただきます。

「生きたリズムとは何か〜リズムの起源と構造」というテーマで行ないます。

内容は以下のようになっています。

1. リズム、拍子、拍、パルス、テンポといった混同されやすいリズム用語を整理する。
2. それらの知識を実際に体で感じてみる。
3. アクセント付けを学ぶ。
4. 以上の知識を実際にギターの楽曲に応用できるようになる

…以上の内容を学んでいただきます。前半は講義形式、後半は受講生から2名を予め選抜しマスタークラス形式で行ないます。このマスタークラスを聴講することによって理論を実践へと応用する方法を学んでいただけます。

 

会場は 渋谷リフレッシュ氷川です。2009年8月23日（日）、午前9時30分〜12時。

詳細は月イチ講座特別ページをご覧下さい。

 

 

 

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4月12日ビウェラ＆19世紀ギターレクチャーレポート！

2009年4月12日に永島志基さんによる「ビウェラ＆19世紀ギターレクチャーコンサート」が当教室主催で開催されました。

当教室の「日曜ワークショップ」の講座です。

外部から講師を招いたのは今回で二人目です。一人目は藤井眞吾先生、そして、今回は永島志基先生です。（うーん、豪華なラインナップ！）

 

さて、永島志基さんの講座ですが…ひとことでいうと「実に軽やかでいて、深い！」という印象。

スペイン史の概観から始まり、そのおしゃべりに惹きこまれていくうちに、知らないうちにスペイン音楽史がしっかりと頭に入ってきました。

 

 

 

ホワイトボードにきっちりとスペイン史の登場人物を書き出して、そこに当時の音楽家達を絡めていく…。歴史というのは人で形作られてきたのだなあ…と楽しく学ぶことができます。

熱心にメモをとる参加者も多くいました。

もちろん、そこから当時の有名作曲家であったジョスカンなどの説明を挟み、実際にビウェラを使って、ナルバエスやミランなどの作品を演奏してくれました。

ビウェラはこんな楽器です。

 

 

 

 

山下暁彦氏による忠実なレプリカ。すっきりとした枯淡な味わい…でも、空間を満たすような響きの楽器です。

やはりクラシックギターでビウェラ音楽を弾く感触とは違います。当時の王室や教会などで、これらの楽器が奏でられていたことを想像すると、実に荘厳なイメージで満たされます。

 

 

 

 

 

後半は19世紀ギターによる解説。

19世紀ギターのおおまかな概説からスタートして、そこからアグアドを演奏。そして、その後はメインをソルの作品の解説とスタイル研究の講義です。

これはやはり永島志基さんの本領発揮です！

ソルの作曲スタイルの変化が実にわかりやすく理解できました。「村の幻想曲」は実は名曲だなあ、というのも実感。やはりソルは深いですね。そして、無限大の研究素材を我々ギタリストに与えてくれます。

永島氏はオリジナルのラコートを演奏。

私、富川も参考として自分が所有しているコゲット（ミルクールタイプ）のオリジナル19世紀ギターを持参。

このコゲットでも一曲、『聴講生の参考にため』と演奏してくださいました。

 

終演後は参加者が自由にビウェラや19世紀ギターを弾くコーナー（？）を設定してくださいました。

私、富川もちょろっと、演奏。立奏スタイルの解説をちょこっとしました。

 

 

 

 

私のコゲットは糸巻きが差し込みなので（シキさんのラコートは機械式）、そのあたりの違いも参加者には興味深かったようです。

 

（富川の感想）

とにかく楽しかったです！

一見、専門的なテーマにも関わらず、単純に音を聴くと「なるほど〜」とすとんと懐にはいってくる感覚がありますね。

ビウェラ＝古楽＝難しい…＝どうせ楽しくないんでしょ？…と思ってしまったら、駄目なんですよね。

そして、我々が現在クラシックギターで弾いている多くのレパートリーが、エミリオ・プジョールなどの研究家肌のギタリストの研究発掘によって成立していることにもシキさんは言及しておりました。

このことは今の若手ギタリストにかけている部分だと思います。

シキさんも（私もどちらかといえばそうかな？）そのような「研究家肌」の演奏家です。もちろん、演奏力もしっかりとあります。

しかし、裏を返せば、そのように過去のもの（歴史）をしっかりと研究した上で、現在のギターレパートリーに還元する作業は「どの大ギタリストでもやっている作業」なのです。

…このことを多くの若手ギタリスト及び若いギタリスト志望の方は忘れがちであると思います。

「CDで聞いたことがある曲しか弾かない」

「誰それが弾いているから、弾いている」

…上記のような感覚では「プロ意識」は希薄だといえます。

今回のレクチャーに参加した若手プロギタリストやプロ志望の若者達は、（おそらく）プロの凄さを見たと思います。それを感じることができたら、今後は自分がそのような立場にならなくてはいけません。

 

さて、帰り際、シキさんと話をしました。

「まだまだ色々やりたいことあるんだよねえ！」と仰っていました。

それが「プロ」です。

私も、山のように、弾いてみたい曲がありますし、研究したいテーマもあります。

 

しかし、時間は有限です。

さて、一体どうするか…まあ、手近にあるテーマをとにかくやっていくしかありませんね。

 

さて、次回の「日曜ワークショップ」は私が講師です。

しつこーく「ギター奏法の基礎の見直し」の講義です。ギター奏法研究は私のライフワークです。音色の変化、しっかりとした音を出す基礎理論…これは何度喋っても、切り口次第でいくらでも展開できるテーマです。

5月10日午前9時30分〜。渋谷リフレッシュ氷川多目的室で行ないます。

多数の参加お待ちしております！

（詳細はこのブログのサイドバーにてご確認を！）

 

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3月の月イチ企画（ギター奏法について）

ギター奏法についての「基礎の見直し」を1月の日曜ワークショップ（通称“月イチ企画”）で行ないました。

約2時間強の講義でした。

みなでギターを持ち、ギターの奏法理論を根本からチェックしました。

その様子はこちらでご覧下さい。

http://guitar.livedoor.biz/archives/51839099.html

 

何故ギターから音がでるのか？

どのようにして音色を変化させるのか？

右手の指の動かし方と機能は？

右手の爪の削り方は？

…上記の点を最新の研究をもとにレクチャーいたします。カルレバーロ奏法、ターレガ奏法、セゴビア奏法…様々な「奏法」（流派？）がありますが、特定の奏法に帰属したレクチャーではありません。

そのいずれも奏者自身の「合理性」に基づいた奏法であり、その根本にある思想は同一です。

「弦＝振動」であり、できるだけ身体の構造に合致した動作でその「振動」を「音色」に変換する方法を学んでいただく講座です。自分に合ったフォームを探すためのヒントを伝授いたします。

奏法を考えるためのヒントを与える講座であると考えて下されば結構です。もちろん具体的に音は出していきますし、個人へのアドバイスもいたします。

門下問わず、多数の方の参加をお待ちしています。

期日：2009年3月22日（日）午前9時30分〜12時

場所：渋谷リフレッシュ氷川　多目的室C

参加費：2,000円

準備物：クラシックギターと足台

申し込み：不要。当日会場に直接お越し下さい。参加費も当日徴収いたします。

より詳しい詳細は下記でもご確認いただけます。

http://guitar.sakura.ne.jp/school/contents/tsukiichi.html

 

事前に「こういうことを知りたい」などリクエスト、質問などあれば、下記メールにお送り下さい。

[e-mail]

 

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竹内太郎さんレクチャーコンサート＆ベルタ･ロハスさんのコンサート

日曜日は２つのコンサートに行ってきました。

両方ともとっても勉強になりました。

ひとつは竹内太郎さんのレクチャーコンサート。バロックギターとリュートを使ってギターの歴史を解説してくれるという豪華企画！

お話も上手で面白い！…論理展開もスムーズ。かたーいタイトルとは違って楽しく勉強できる感じ。やはり音楽史とかは演奏しながら解説してもらうと分かりやすいですし、すっと吸収できますね。特に理論的な部分などは音は聴くと違いがよくわかるし、舞曲のリズムなども動きや実際の音で聴いたほうがすんなり入ってきます。

私がいくつか疑問に思っていた点もだいぶ解決がつきました。大収穫！！

それにしても、バロックギターが欲しくなってきました…。ああ、悩ましい。

 

 

夜からはベルタ・ロハスさんのコンサート。

素晴らしいコンサートでした。ステージパフォーマンスが素晴らしく、ナチュラルで嫌味がありません。音楽も勿論良かったですが、雰囲気が楽しめた実に素晴らしいコンサート。あの選曲をさらっとこなすのは並の腕ではないですね。

…それでいて、音楽の骨組みを失っていないのにはびっくり。技巧やテクニックが前にはでずに、きちんと音楽が聴こえてきました。

会場には業界陣が一杯。いろいろと話をして、サイン会で混みあっているので、早めに会場を抜けました。

そうしたら同じく会場にいた横浜でギタリストをやっている東氏から電話があり、「飲まない？」とのこと。結局渋谷駅前で待ち合わせ…。たまたま私と一緒にいた生徒さん２名と計４名、楽しく盛り上がりました。

この飲み会（？）でも、ギター談義に花が咲きました。メインは楽器の話です。

うん、これも勉強になったなあ。

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あづみ野ギターアカデミーレポート（レッスン＆レクチャー編）

２００８年８月８日〜１０日にかけて長野県安曇野にて行われた「あづみ野ギターアカデミー」についてのレポートです。「レッスン＆レクチャー編」です。

個人レッスンは３人のギタリストによる担当。富川勝智、池田慎司、多治川純一です。

聴講もあるマスタークラス形式…やはり教えるほうは聴講がいると生徒さんとのレッスンのスタイルを変化させます。聴講の人にも共通の問題点があるという前提でレッスンを進行させるものです。私の場合は特にそうです。普段のレッスンでは行わない「体験」的なアプローチをいくつか用いました。おそらく、こういうものは聴講生という「聴き手」がいないと成立しないし、「聴き手」がいると、いろいろとアイデアが沸きます。

やはり普段のレッスンですと、長いスパンで各自の生徒さんの上達を考えているわけです。必然的に数ヵ月後、数年後の生徒さんの姿を予想してレッスンするものです。しかし、マスタークラスの場合はその場限りという感覚が強いです。受講生と聴講生両方のためにレッスンを行うのですから、当然教える内容とか密度とかは変化します。

残念なことにスタッフの話によると、受講生の中には、部屋に引きこもって練習だけをしていたり、昼寝の時間が長すぎる（？）人もいたようです。もうちょっとアクティブに、あちこちの講師のレッスンを聴講して欲しかったですね。

井桁典子先生によるアンドーヴァー講習会…プロジェクターや骸骨模型を使って、非常に分かりやすい説明でした。みな、ギター弾きですので、やはりギターに特化した問題点を追及していくという形で進行いたしました。アンドーヴァーはアレクサンダーテクニークの演奏家への応用バージョンです。実践的なアイデアが豊富に含まれていて、みなの役にたったと思います。私自身も実に勉強になりました（雑用に追われて、全部の講義をパーフェクトには聞けなかったのが残念！）。

実際に受講生をモデルにギターを持ってもらって、アンドーヴァーがいかに実際に役に立つか、音に変化を与えるかを実感してもらいながらの講習会でした。受講生は20代〜30代が中心でしたので、レスポンスが早い！…という印象。脳みそが柔軟なほうが、アンドーヴァーは理解しやすいし、身体への反応はストレートなのだなあ…と思いました。どのような場合でも楽器演奏は身体と切り離しては成立しません。私が一番最初に習った先生も『楽器演奏はスポーツと一緒』とよく言っていました。この教えは非常に貴重なものとして、その後プロを目指すときにもこの言葉を思い出しながら練習を続けました。

スポーツはやはりダイレクトに身体を扱う分野なので、身体の研究はかなり進んでいます。芸術の分野に入る音楽の世界と比べると、おそらく何倍もの時間を身体の動きの研究に用いているのでしょう。それでも、さまざまな理論があり、おそらくスポーツ科学の分野はまだまだ進化し続けるのでしょう。

音楽の分野においては、身体の研究はまだあまり進んでいるとはいえません。そういう意味でアンドーヴァーはダイレクトに身体側からアプローチするものなので、実に応用が利きやすいものです。しかし、実際にそこから『自分の身体に合った奏法』を見つけていくのは、先人の知恵（多くの巨匠達の奏法）に実例を見つけていくことが実は大事だということを忘れてはならないと思います（これは私の個人的意見です）。ということで、やはりセゴビアやカルレバーロ、イエペス、ロメロファミリー…（まだまだ一杯いますけど・・・）の奏法を、『彼らが作りたかった音色や音楽』をしっかりと把握しながら、研究することを怠ってはいけないと個人的には思います。

さて、アンサンブル講習において、それぞれの基礎レベルが高かったため、非常に学ぶところが多かったと思います。私自身、いくつかのアマチュアアンサンブルを指導してきましたが、それぞれが個人プレイヤーとして通常のレッスンを受けている集合体は圧倒的にまとまるのが早いです。今回の講習会参加者はみな、通常個人レッスンを受講している人ばかりでしたので、基礎面ができています。読譜面で「落ちたり」「もどったり」「とまったり」…ということはなく、「音楽のレッスン」及び「アンサンブルのレッスン」に集中できました。

テーマが如何に形を変えていくか、スラーのニュアンスと言語の関係…音量変化のこと…さまざまなことをアンサンブルから学ぶことができます。これはアンサンブルに特化したことではなく、あくまでも「音楽のレッスン」ですから、もちろん独奏曲を弾くときにも応用できます。逆に言えば、独奏曲のレッスンにおいて、上記の「音楽面」をしっかりと意識していれば、アンサンブルにおいても的確なアプローチができるということになります。

上記いくつか書いてきましたが、個人レッスン受講＆聴講＆アンドーヴァー＆アンサンブル…この４つをうまくリンクさせた人は一生分の課題を得たことでしょうし、次回（来年予定）の講習会においても、その問題意識をキープできると思います。

音楽の勉強というのは終わりがありません。あるときふと「あ！そうだったんだ！」と思うこともあるし、何年かかっても「わからん！」というものもあります。しかし、常に自分の課題点や問題点を心の奥底に“転がしておく”ことが大切です。そういうふうにしておくと、何かの経験でふと正解へのきっかけが得られることが多いのです。

次回、まだ今回の講習会の演奏会について触れていませんので、それについて…。では！

 

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