音楽表現を考えるためのヒント１

表現力っていうのはなんでしょうか？

これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。

当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。

当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る…それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか？」と訊いてくることがあります。

勉強すればできるよ〜！とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。

今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。

ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回！

まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか？…これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。とはいっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。

では、ストーリーとは何か？…はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。つまり「変化」＝ストーリーというわけです。

音楽では、それを「音楽の三要素」（旋律、和声、リズム）を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」（シンフォニア刊）があります。

演奏の原理 [単行本]

大阪村上楽器

2006-04-21

この本から多くのことを学ぶことができます。基本的な概念はシンプルです。

動的であるか静的であるか？…これが変化を作る要素ということです。テンポの速い遅い、音量の変化、アーティキュレーション、etc...いずれの要素も動的であるか静的であるかという区別がつけられます。

音色についても動的であるか静的であるかということがあります。面白いのはこのような区別がつけられると、音量の変化や表情記号の知識などと組み合わせると、様々な表現のバリエーションが得られるということです。

以前、スペインの女流ギタリストであるマリア・エステル・グスマンのマスタークラスで私が感じたことのブログ記事をアップしました。
明るさと暗さ：開と閉

この記事の中でこう書きました。

マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて！」と言ったりします。つまり「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に！」とか「明るく！」という感じで訳しわけたりします。

 

音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。

楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ…硬質な音色で音量を小さく…というふうに表現することも可能です。

このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。また、そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。

よい演奏をするために 私の演奏体験の中の「演奏の原理」 [単行本（ソフトカバー）]

吉田 雅夫

シンフォニア

2010-10-09

では、「音楽表現を考えるためのヒント２」へ続きます！

音楽表現に関しては、次回の日曜ワークショップでも扱います。 

表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！ 
→詳細はこちら！ 

 

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「ラグリマ」の解説について

ホームページの「ギター講座」のところに

ターレガの「ラグリマ」の解説をアップしている。

 

あるブログの記事に、この解説についての感想が載せられている。

以下引用。

 

選曲は古典的な小品…といっても、オーソドックスなようでいて実はマニアックという選曲でした。１曲目は「ラグリマ」だったのですが、ギター講座では「ラグリマ」の弾き方に関して詳細な考察があります。単に指馴らしで簡単な曲から始めたのかと思ったら、それだけではなく、この簡単な曲が実は非常に難しいのだということが講座を読むと分かります。ただ、私としては「そこまで考えて弾いているのか」と感嘆する反面、引いてしまったのも確かです。正直、それほど面倒なものならクラシックギターなんてやりたくないな…と。この辺は難しいところですね。

実は私のコンサートを聴きに来た人の記事です。

確かにそう思う気持ちも分かるのですが、これを一言で「ひいてしまった」「それほど面倒なものならクラシックギターなんてやりたくない」と言い切られてしまうほど切ないことはない・・・

 

私は通常の生徒のレッスンで、「ラグリマ解説」で書いてある内容の全てを生徒に強制したりはしていない。実際にそこに書かれていることを生徒に強制したら、それこそ「そんな面倒なことやりたくない！」と逃げられてしまうだろう。だが、本当にある作品の真価をひきだすためには、ありとあらゆる角度から楽曲に立ち向かわねばならない。

私は「ラグリマ解説」で、楽譜からどれだけ情報を読み取り、表現につなげていくかを文章に書いただけである。そしてその情報の取捨選択をしているのは私であるから「私なりの解釈」である。私なりのアプローチで作品と対峙しただけである。

そして、フレージングを考えたり、アゴーギグの様々な可能性を試し、本番の演奏時はそれを全て忘れてしまっている。「次はリタルダンドだな･･･」とか「このフレーズはあそこまで・・・」ということは一切考えない。練習の時に、考えた表現を同化させてしまっているので、本番演奏時に「ラグリマ解説」に書いたことなど微塵も考えるないのである。「心のおもむくまま」「わたしの」ラグリマを演奏している。いわば、自動的に楽しんで演奏しているという感じ。

どの曲を練習する場合でも、さまざまな観点から楽譜を「読む」こと、そして表現の様々な可能性を試すことは重要である。人前で演奏するにあたって、「どう表現していいかわからない」という部分をすこしでも残してはいけない、と思う。充分に楽曲を分析し、演奏する・・・これが作曲家に対する礼儀であり、音楽をする人の「至上の喜び」であるはずである。

楽譜の奥にあるものを掘り起こす作業を「ラグリマ解説」では書いただけである。

アマチュアにはアマチュアの領分がある。「面倒くさい」と感じるのであれば、その手前でラグリマの表面の音の部分で楽しんだらいいのである。アマチュアにはその権利がある。私はアマチュアが純粋に楽器で「音を出すこと」を楽しんでいる姿を見るのが好きである。そして、『ラグリマ』は、音をだすだけで充分に楽しめる楽曲である。

ただし、一度、楽曲を解釈する「楽しみ」を知ってしまえば、その行為こそが「音楽をする」ということに気づくだろう。その解釈という作業を自分でするためには、経験といくつかのコツが必要である。そして知識も必要である。作曲家についての知識、音楽形式に対する知識、楽典の知識などである。それらの知識を総動員して、楽曲の分析をすることで、「音楽」が眼前に顕れてくる。

そのために割かれる労力は「音だけ出したい人」には意味のない「苦痛」「無駄」であるかもしれないが、「音楽をする人」には喜びと発見に満ちた時間であるのだ。

楽曲を解釈するために割く労力と時間は各人自由である。逆に、労力と時間を多く割くことができる楽曲こそ「名曲」といえる。それは同時に「音楽をする楽しみ」をたくさん我々に与えてくれる楽曲である証拠でもある。

無責任に「それほど面倒なものならクラシックギターをやりたくない」と言わないで欲しい。本人はそういうつもりで言ったのではないと信じたいが、この言葉は、音楽に対する侮辱ととられても仕方がない台詞である。真摯に音楽に取り組む人にとっては、「怠惰」から来る言葉であるとしか思えない。

私は音を楽しむアマチュア演奏家の態度を否定しているわけではない。ただし、もう一歩踏み込んだところに「音楽のプロ」は喜びを見出しているということを忘れないで欲しい。それがアマチュアで音楽を楽しんでいる人がプロの音楽家に払うべき礼儀である。

･･･私は生徒にレッスンを行うとき、「音楽を解釈していく喜び」が得られるように技術面、表現面から指導している。最終的には自分で楽曲を解釈する喜びを見つけてくれることを希望しているのだ。

たった数音の音のつながりから意味を発見する喜び、その音のつながりが自分の精神に与える影響、それを第3者に伝える技術、を私は生徒に「こっそりと少しずつ」レッスンしている。

そして、現時点での私の解釈のプロセスをまとめたものが「ラグリマ解説」である。明日にはそのアプローチは変わるかもしれない。おそらく、演奏するたびに新しい解釈が生まれてくるだろう。そのプロセスが楽しいから「音楽家」をやっていけるのである。



かなりの長文になってしまいましたが、ここまでお読みいただいた方ありがとうございます。