クラシックギターの「伝道師」富川勝智のギター教室でのレッスン活動と演奏活動の記録です。
９月１３日の日曜ワークショップでは初の試みを行います！
名曲攻略講座！…クラシックギターの名曲を取り上げて、そこで「どのように表現を考えていくか？」という点と「どのように技術を考えていくのか？」という点をみなさんと考えていきたいと思っています。
これから不定期ですが、行っていきたいと思いますが、第一回は「ラグリマ」を選びました。フレージング、リズム、拍節感…たくさんのことをこの一曲から学ぶことができます。
（詳細はこちらのブログで！）
ラグリマをずっと弾いているけど、いまいち表現にマンネリを感じている方はもちろんですが、「音楽表現を自分で考えるためのヒントが欲しい」という方も是非参加ください。ここで学んだことが他の楽曲でも役立つような「音楽表現のルール」的なこともお伝えできればと考えています。
ラグリマ自体が演奏できない方でも、大丈夫です。これからラグリマを弾いてみたいなあという方でも是非ご参加ください！
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明後日の２月１５日に、「表現力アップの秘訣！」という講義を行います。
詳細→日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」
いままで、いろいろな人にレッスンをしてきました。表現について以下のように考えている方がとても多い…。（こまったこまった）
１：「なんとなく」勘で、表現をつけている。
２：CDやYouTubeなどで演奏を聴いて「真似」をする。
３：表現は先生が教えてくれると思っている。
１について：ある程度、音楽をやっていれば、こんな感じだろうなあ…という「あたり」はつきます。ただし、そこに理由付けができなければ、ずっともやもやしたままになります。もしそのときの自分の勘に理由付けができれば、他の楽曲の解釈にもつかえるルールが発見できるかもしれません。
２について：「真似する」ことは決して悪いことではありません。自分が聴いた演奏やCDで「これいいなあ！」という表現をストックしていくことは、自分の趣味や嗜好を確認する意味ではとてもよいことです。しかし、もう一歩踏み込みたい。その奏者がどのようにしてその表現に辿り着いたか…考えてみる。そうすることによって、楽曲の新しい解釈が見つかることがあります。
３について：多くの人がこういう心構えでいます。レッスンを受け始めた最初はこれでよいのかもしれません。ですが、先生が教えてくれた表現をそのまま受け取っているだけでは「自分で表現を見つけていく」思考回路はできてきません。先生から習った曲しかきちんと弾けない…という方が多いですが、それは困りものです。
「どうして先生はこのように考えたのだろう？」と考えること。そして、良い先生は理由を教えてくれます。そして、自分でも理由を考える姿勢を身につけましょう。
以上のことを踏まえて、音楽表現を考えるヒントというのを5回に渡って連載しました。
音楽表現を考えるためのヒント１
音楽表現を考えるためのヒント２
音楽表現を考えるためのヒント３
音楽表現を考えるためのヒント４
音楽表現を考えるためのヒント５
レッスンを通じて、そして自分で多くのことを勉強することによって、「西洋音楽のルール」を見つけていってほしい。そして、自分で音楽を解釈する喜びを感じてほしいという思いで書きました。
「どこからどうやって考えていったらいいのだろう？」「どこから勉強していったらいいの？」という人が多いのです。だから、勘や他人の演奏のコピーをしてしまう。そして、「それなりに」うまく聞こえれば満足してしまう。どういう手順で楽曲を分析していったらよいかが道筋がわかれば、自分で表現を考えていく思考回路がじょじょにできてきます。
日曜ワークショップの「表現力アップの秘訣！」では、どこから攻めていったらよいか？…から説明します。音楽表現を自分で考えていきたいなあ！と思っている方は是非参加してください。
「魚を与えるのではなく、魚の捕り方を教えよ！」という諺があります。とても好きな言葉です。良い先生の条件でもありますが、私は音楽表現に関して「魚の捕り方」を教えたいなあと思っています。
まずは簡単に「表現」についてみなさんに考えてもらいます。
その後、実際の楽曲で演習します。考え方がわかったら実践あるのみ！
以下の曲を予定しています。
タレガのアデリータ
ソルの小品
ソルのエチュード
もし、お時間ある方は上記をちょっと練習しておくとよいかもしれません。
ということで、表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！
→詳細はこちら！
表現力っていうのはなんでしょうか？
これから何回かにわたって、このブログでヒントを書いていきたいと思っています。
当教室に訪れる方には「自分で表現をしっかりとつけてみたい」と仰る方が多いのです。
当教室の生徒はいろいろな曲を持ってきます。私がまったく見たことがない楽譜をその場で分析し、解釈の可能性を探る…それを見て、生徒さんによっては「先生って、初めて見た曲の表現がどうして分かるのですか？」と訊いてくることがあります。
勉強すればできるよ〜！とその場ではぐらかす場合もありますが、いくつか解釈の方法を教えます。西洋音楽の普遍的なルールをいくつか知れば、表現を探していくことが可能です。
今日から、その普遍的なルールを知るための参考書やヒントを少しずつこのブログでお伝えします。
ということで「音楽表現を考えるためのヒント」第一回！
まずは音楽における「表現」とはなにを表しているのでしょうか？…これはとても大切です。抽象的に言ってしまえば、ストーリーを曲で描ければよいのです。とはいっても、音楽には「言葉」はありませんし、絵もありません。音でストーリーを描ければよいのです。
では、ストーリーとは何か？…はじまりがあって、いろいろな変化が起きて、波乱があって、クライマックスがあって、終わりがある。つまり「変化」＝ストーリーというわけです。
音楽では、それを「音楽の三要素」（旋律、和声、リズム）を用いて、ドラマを描き出します。この「表現とは変化」であるということをしっかりと整理してある名著としてハンス・ペーター・シュミッツ氏の「演奏の原理」（シンフォニア刊）があります。
マリア・エステル・グスマン氏のマスタークラスの通訳をしたときのこと。クレッシェンドを「だんだん開いて行って〜」と言ったり、フォルテを「もっと開いて！」と言ったりします。つまり「abierto」という単語を使うわけです。直訳すれば「開いている」。英語のopenedです。文脈によっては「開放的に！」とか「明るく！」という感じで訳しわけたりします。
音量の大小、音色の明暗は同時に表現されると、実に複雑な表情を孕んでいきます。
楽譜のダイナミクス記号を見て、音量の大小だけで表現しようとすると、非常につまらない音楽になっていく場合があります。緊張感のあるピアニッシモ…硬質な音色で音量を小さく…というふうに表現することも可能です。
このようにハンス・ペーター・シュミッツ氏の著作には多くのヒントが隠されています。また、そのお弟子さんでもあった吉田雅夫さんの著作も簡潔にまとまっていますので、オススメです。
表現力についてヒントを得たい方…ぜひ日曜ワークショップ「表現力アップの秘訣！」に参加ください！
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